งานศิลปะของศตวรรษที่ 18 ศิลปะกลางศตวรรษที่ 18

การพัฒนาศิลปะในกลางศตวรรษที่ 18 แบ่งออกเป็นสองช่วง: ยุค 30 - ช่วงเวลาที่มืดมนของรัชสมัยของ Anna Ioannovna การปกครองของชาวต่างชาติและยุค 40-50 - ปีแห่งการปกครองของเอลิซาเบ ธ ศีลธรรมที่อ่อนลงในครั้งก่อนการเติบโตของชาติ ความประหม่า, การส่งเสริมทุกอย่างในประเทศ, ช่วงเวลาของการก่อตัวของสไตล์บาโรกของรัสเซีย ซึ่งเป็นเครื่องหมายของการสังเคราะห์งานศิลปะทุกประเภท

สถาปัตยกรรมในยุค 30 - ต้นยุค 40 ถูกทำเครื่องหมายด้วยผลงานของ I.K. Korobov (1700/01–1747) เหนือการสร้างกองทัพเรือขึ้นใหม่และการสร้างหอคอยกลางที่มียอดแหลมปิดทองสูง (1732–1738) ซึ่งถือใบพัดอากาศในรูปแบบของเรือสามเสากระโดง ทิ้งไว้ระหว่างการสร้างใหม่ ของอาคารโดยอ. Zakharov ในศตวรรษที่ 19; ผังเมืองรวมของพม. Eropkin (ค.ศ. 1690–1740) ผลงานของ M.G. เซมซอฟ (1688–1743) แต่ความมั่งคั่งที่แท้จริงนั้นเกี่ยวข้องกับชื่อของ Francesco Bartolomeo Rastrelli (1700-1771) ผลงานในยุคแรกของเขาคือพระราชวังของ Biron ใน Mitava (1738–1740 ปัจจุบันคือ Jelgava) และ Ruenthal (1736–1740 ปัจจุบัน Rundal) พระราชวังฤดูร้อน (ไม้) ของ Elizaveta Petrovna ซึ่งตั้งอยู่บนที่ตั้งของปราสาท Mikhailovsky และได้รับการเก็บรักษาไว้บน การแกะสลักจากภาพวาดของ M. Makhaev (1741-1744) วังของ M.I. Vorontsov (1749-1758) บนถนน Sadovaya ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โดยมีการเล่น Chiaroscuro ที่งดงามที่ด้านหน้าอาคาร เป็นพยานถึงการก่อตัวของบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์ของเขาเอง จากปี 1745 ถึงปี 1755 เจ้านายยุ่งอยู่กับงานสร้างพระราชวังปีเตอร์ฮอฟที่ยิ่งใหญ่ ซึ่งมีความซับซ้อนเนื่องจากความจริงที่ว่าพระราชวังเก่าต้องเข้าไปเป็นส่วนหนึ่งขององค์ประกอบโดยรวมที่มีเฉลียงเปิด ศาลาด้านข้าง โบสถ์ และอาคาร” ภายใต้ตราแผ่นดิน” แต่บันไดหลักและโถงเต้นรำขนาดใหญ่ สูงเป็นสองเท่า สูงมาก มีเสาที่เป็นกระจกทั้งหมด มีการแกะสลักไม้ลงรักปิดทองมากมาย และภาพวาดลวงตาของแผ่นกระดาน - เป็นงานทั่วไปของ Rastrelli อยู่แล้ว ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของชัยชนะของการสังเคราะห์ ศิลปะทุกประเภทในรูปแบบเดียว - บาร็อค หนึ่งในผลงานสร้างสรรค์ที่สมบูรณ์แบบที่สุดของ Rastrelli อัจฉริยะทางสถาปัตยกรรมคือวังที่ยิ่งใหญ่หรือของ Catherine ใน Tsarskoye Selo อาคารขนาดเล็กที่เกิดขึ้นในคฤหาสน์ซาร์ที่เรียกว่าในสมัยของปีเตอร์มหาราชได้รับการดัดแปลงครั้งแรกโดย A. Kvasov และ S. Chevakinsky และจากนั้น (ในปี 1752–1757) โดย Rastrelli เขาเปลี่ยนมันให้กลายเป็นห้องโถงขนาดใหญ่ "บล็อกแกลเลอรี" ที่มีหน้าต่างไปยังสวนขนาดใหญ่ ซึ่งเขาสร้างศาลาสวนสาธารณะทั่วไปในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 - Hermitage, Montbijou, Grotto และ Rolling Hill อีกด้านหนึ่ง พระราชวังหันหน้าไปทางลานด้านหน้าอันเคร่งขรึม

ในใจกลางของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Rastrelli ได้สร้างพระราชวังฤดูหนาว (พ.ศ. 2397–2305) อาคารเกือบจะเป็นรูปสี่เหลี่ยมจัตุรัสมีลานด้านหน้าปิดด้านในซึ่งเชื่อมต่อกันด้วยประตูสามบานไปยัง "ทุ่งหญ้า" (ปัจจุบันคือจัตุรัสพระราชวัง) ส่วนหน้าหลักของพระราชวังหันหน้าไปทางเนวา บางทีความสำเร็จสูงสุดของ Rastrelli คือคอมเพล็กซ์ของอาราม Smolny (พ.ศ. 2391-2307 เสร็จสมบูรณ์ในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 19 โดย V.P. Stasov): มหาวิหารและอาคารที่สร้างลาน - ตามประเพณีรัสเซียโบราณ - อาคารของ เซลล์ Rastrelli คิดทางเข้าหลักในรูปแบบของหอระฆังขนาดมหึมา (สูงมากกว่า 140 ม.) ซึ่งการก่อสร้างไม่ได้ดำเนินการ ในผลงานทั้งหมดของ Rastrelli (และที่นี่เราสามารถเพิ่ม Stroganov Palace ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 1752–1754 และ Andreevsky Cathedral ใน Kyiv ซึ่งสร้างขึ้นตามโครงการของเขาโดยสถาปนิกชาวมอสโก I.F. Michurin) พร้อมด้วยความงดงามของการตกแต่ง เสร็จสิ้นและการเล่นของ chiaroscuro บนด้านหน้า, สีสันของการผสมผสานของสีฟ้าเข้ม, สีขาวและการปิดทอง, ความชัดเจนที่น่าทึ่งขององค์ประกอบหลักยังคงอยู่ซึ่งกลายเป็นคุณสมบัติบังคับของบาโรกรัสเซีย

สถาปนิกที่มีพรสวรรค์ (V.I. Neyolov, Ya.A. Ananin), ประติมากร (J.-F. Dunker), จิตรกร (D. Valeriani, พี่น้อง Belsky, I.Ya. Vishnyakov) ถูกจัดกลุ่มรอบ ๆ Rastrelli ภายใต้เสน่ห์แห่งพรสวรรค์ของเขายังมีสถาปนิกที่ทำงานอย่างอิสระเช่น S.I. Chevakinsky (1713–1774/80) ผู้สร้าง St. Nicholas Naval Cathedral ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (1753–1762)

ในมอสโกในเวลานั้นโรงเรียนสถาปัตยกรรมทั้งหมดของ D.V. Ukhtomsky ซึ่งจบหลังจากอาจารย์ - I.F. หอระฆัง Michurin ที่มีชื่อเสียงของ Trinity-Sergius Lavra (1741-1770) สถาปนิกเช่น A.V. Kvasov (วิหารใน Kozelets ในยูเครน, 2294-2306), F.S. Argunov (ที่ดิน Sheremetev Kuskovo ใกล้มอสโก "บ้านน้ำพุ" ที่มีชื่อเสียง - บ้านของ Sheremetevs บน Fontanka ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก), A.P. Evlashev (หอระฆังประตูของอาราม Donskoy ในมอสโก, 1730, 1750-1753) .

จำเป็นต้องสังเกตอนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมอีกประเภทหนึ่ง ในศตวรรษที่ 18 โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงครึ่งแรกและช่วงกลาง เป็นเรื่องปกติที่จะสร้างประตูชัยเพื่อเป็นเกียรติแก่เหตุการณ์ที่โดดเด่น: ในสมัยของปีเตอร์มหาราช ชัยชนะอันรุ่งโรจน์ได้รับการเฉลิมฉลองด้วยวิธีนี้ ในรัชสมัยของ Anna Ioannovna และ Elizabeth Petrovna ประตูชัยถูกสร้างขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่ผู้มีชื่อหรือในโอกาสพิธีราชาภิเษก ฯลฯ ดังนั้นแม้ภายใต้ Peter I ประตู Trinity ก็ถูกสร้างขึ้นที่จัตุรัส Troitskaya ภายใต้ Anna Ioannovna เพื่อเป็นเกียรติแก่การเข้าสู่มุมมองของเซนต์ ที่พระราชวัง Anichkov) สถาปนิกชั้นนำ (Trezzini, Zemtsov) และจิตรกร (A. Matveev, I. Vishnyakov) มักจะมีส่วนร่วมในการสร้างประตูชัย ซุ้มประตูเป็นการสังเคราะห์ศิลปะที่ยอดเยี่ยมทั้งหมด: สถาปัตยกรรม ประติมากรรม (บางครั้งอาจมีตัวเลขหลายโหล) และจิตรกรรม ตามกฎแล้ว "โคมไฟ" ที่ยอดซุ้มประตูตามซุ้มหลักนั้นประดับด้วยรูปเหมือนของบุคคลที่ครองราชย์ ประติมากรรมและภาพเปรียบเทียบเชิดชูพระนาง (หรือเหตุการณ์เพื่อเป็นเกียรติแก่การสร้างซุ้มประตู) ความประทับใจทั่วไปของความเคร่งขรึมและการเฉลิมฉลองได้รับการปรับปรุงด้วยสี: รูปปั้นถูกทาสี, สวมเสื้อผ้า "โบราณ", ภาพวาดถูกสร้างขึ้นจากการรวมกันของจุดสีขนาดใหญ่โดยคาดหวังให้ "มอง" จากระยะไกล การปรากฏตัวของอนุสาวรีย์ดังกล่าวได้รับการเก็บรักษาไว้ทั้งจากแหล่งวรรณกรรมและภาพวาด ภาพสเก็ตช์ และแม้แต่เพิ่งค้นพบภาพวาดบางส่วนสำหรับแผงที่งดงามของพวกเขา (ดูตัวอย่าง ภาพวาดของ A. Matveev สำหรับประตู Anichkov "งานแต่งงานสู่ราชอาณาจักร" BAN) . บาโรกของรัสเซียทำให้เกิดศิลปะและงานฝีมือทุกประเภทขึ้น การตกแต่งภายในแบบบาโรกเป็นรูปแบบการตกแต่งแบบเดี่ยวความมีชีวิตชีวาที่ไม่ธรรมดาในแนวโน้มแบบบาโรก - โรกายล์พร้อมความสง่างามในการออกแบบตามอำเภอใจความแปลกใหม่ขององค์ประกอบโดยรวมและความสง่างามของการแก้ปัญหาซึ่งส่งผลต่อทุกประเภทและเทคนิคอย่างแท้จริง: ใน เฟอร์นิเจอร์ในเครื่องลายครามที่เกิดใหม่ในเนื้อเยื่อ

การสร้างสไตล์บาโรกในสถาปัตยกรรมไม่สามารถสะท้อนให้เห็นได้โดยตรงในการวาดภาพ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพวาดอนุสาวรีย์และการตกแต่ง ซึ่งใช้กันอย่างแพร่หลายในพระราชวังและโบสถ์ของ Rastrelli และสถาปนิกคนอื่น ๆ ในเวลานั้น แต่น่าเสียดายที่ภาพจิตรกรรมฝาผนังขนาดมหึมาเกือบจะไม่รอดเช่นเดียวกับการตกแต่งภายในที่พวกเขาถูกประหารชีวิตซึ่งบิดเบี้ยวไปตามกาลเวลาและเปเรสทรอยก้าหรือแม้แต่อนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมก็ไม่รอด แต่ในทางกลับกัน จากช่วงเวลาที่เรากำลังพิจารณา มีผลงานศิลปะขาตั้งมากมาย โดยเฉพาะประเภทภาพบุคคลที่มีการพัฒนามากที่สุดตั้งแต่ปีเตอร์มหาราช

ในช่วงกลางศตวรรษที่ช่างฝีมือต่างชาติซึ่งได้รับเชิญจากราชสำนักยังคงทำงานในรัสเซีย ในรัชสมัยของเอลิซาเบธ เปตรอฟนา ศิลปินเหล่านี้ส่วนใหญ่เป็นศิลปินที่ทำงานในสไตล์โรโกโก เช่น ปิเอโตร โรตารีชาวอิตาลี (พ.ศ. 2250-2305) ซึ่งมีชื่อเสียงจากภาพลักษณ์ที่สง่างามของหญิงสาว ซึ่งประกอบเป็น "คณะรัฐมนตรีแห่งแฟชั่น" และพระหรรษทาน” ในพระราชวังปีเตอร์ฮอฟ; Georg Christopher Groot ชาวเยอรมัน (1716–1749) ผู้สร้างองค์ประกอบพิธีการ แต่มีขนาดเล็ก มีสไตล์ rocaille ภาพบุคคลที่ซับซ้อนและสง่างาม (Elizaveta Petrovna พิพิธภัณฑ์ State Russian; Grand Duke Ekaterina Alekseevna พิพิธภัณฑ์ State Russian ฯลฯ ) ในช่วงสั้น ๆ ในช่วงปลายยุค 50 จิตรกรที่ยอดเยี่ยมเช่น Louis Tocque มาจากปารีส (ภาพเหมือนของ A. Vorontsova ในภาพของ Diana - GE) แต่ไม่ต้องสงสัยเลยว่าถัดจากปรมาจารย์ตะวันตกของทิศทาง rocaille ศิลปินในประเทศจำนวนหนึ่งที่มีความคิดริเริ่มเด่นชัดซึ่งนำประเพณีประจำชาติของศิลปะรัสเซียมาให้เรานั้นเป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ และถ้าก่อนหน้านี้ในสมัยของ Peter the Great ชาวต่างชาติ (Karavakk, Tannauer, Pino) ​​มีบทบาทสำคัญในกระบวนการทำให้เป็นฆราวาสทางศิลปะซึ่งปัจจุบันเป็นอาจารย์ต่างชาติและรัสเซียตามคำจำกัดความที่ถูกต้องของนักวิจัย "อย่างเท่าเทียมกัน" ตามกฎแล้วศิลปินในประเทศส่วนใหญ่ทำงานภายในกำแพงของ Chancellery ตั้งแต่อาคารต่างๆ, ปฏิบัติตามคำสั่งที่ยิ่งใหญ่, แสดงความเก่งกาจที่น่าทึ่งในความสามารถในการสร้างทุกอย่างด้วยมือของพวกเขาเอง, ตั้งแต่เพดานและแผงไปจนถึงฉากละครสำหรับโอเปร่า, การออกแบบวอลล์เปเปอร์ ทาสีป้ายและแน่นอน ไอคอนสำหรับโบสถ์ทั้งถาวรและสัญจร แต่ดังที่กล่าวไปแล้ว มีเพียงภาพเหมือนของมรดกอันกว้างใหญ่ทั้งหมดนี้เท่านั้นที่ลงมา ยิ่งไปกว่านั้นในแง่ของการเขียนพวกเขายังล้าสมัยกว่าผลงานของ Nikitin หรือ Matveev ผู้รับบำนาญ Petrine

ศิลปินในช่วงกลางศตวรรษที่ไม่ได้เรียนในต่างประเทศ พวกเขาเรียนที่บ้านและเรียนแบบเก่าโดยอนุรักษ์ประเพณีการวาดภาพรัสเซียแบบเก่า ดังนั้นความแตกต่างที่น่าทึ่งในบางครั้งไม่เพียง แต่ในงานของศิลปินคนใดคนหนึ่งเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานชิ้นเดียวด้วย แต่ด้วยเสน่ห์ที่น่าทึ่งและเป็นเอกลักษณ์ของการถ่ายภาพบุคคล

ทั้งหมดนี้สามารถนำมาประกอบกับผลงานของจิตรกรที่มีเสน่ห์ที่สุดคนหนึ่งในศตวรรษที่ 18 และอาจรวมถึงงานศิลปะรัสเซียทั้งหมด I.Ya. วิชยาโควา (ค.ศ. 1699–1761) หลังจากการเสียชีวิตของ Matveev เขาเข้ารับตำแหน่งหัวหน้าทีมจิตรกรรมของ Office of Buildings และมีส่วนร่วมโดยตรงในงานอนุสาวรีย์และการตกแต่งวัตถุทั้งหมดในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและบริเวณโดยรอบ แต่นอกจากนี้ Vishnyakov ยังมีส่วนร่วมในภาพเหมือน

ตั้งแต่ไหน แต่ไรมา ชื่อของ Vishnyakov มีความเกี่ยวข้องกับภาพเหมือนของลูก ๆ ของหัวหน้าสถานฑูตจากอาคารของ Fermer - Sarah Eleonora และ Wilhelm Georg Fermer (ทั้งสอง - State Russian Museum) ซึ่งคนแรกถูกประหารชีวิตในปี 1749 (คำจารึก "Sarra Fermorova อายุ 10 ปี" ถูกเก็บไว้ที่ด้านหลังและเธอเกิดในปี 1740) และครั้งที่สองเขียนขึ้นระหว่างปี 1758 (เมื่อชาวนาได้รับการแนะนำให้รู้จักกับศักดิ์ศรีของการเคานต์) และ 1761 (เมื่อเขาได้รับการเลื่อนตำแหน่งเป็นเจ้าหน้าที่และควรได้รับการอธิบายในชุดสูทอื่น) การวิจัยในห้องปฏิบัติการซึ่งปัจจุบันมักใช้ในการศึกษาผลงานในศตวรรษที่ผ่านมา เช่น การวิจัยเกี่ยวกับรังสีเอกซ์ รังสีอินฟราเรดและรังสีอัลตราไวโอเลต จุลทรรศน์และสารเคมี ยังแสดงให้เห็นว่าภาพเหมือนของเด็กชายถูกมองว่าเป็นภาพเหมือนของเด็กผู้ชายเป็นครั้งแรก ภาพเหมือนของน้องสาว: กับพื้นหลังแนวนอนและในชุดเฉพาะ - แต่ถูกเขียนใหม่อาจเป็นเพราะใบเสร็จรับเงินของชาวนาที่มียศจ่าสิบเอก ในช่วงทศวรรษที่ 60 ของศตวรรษที่ 20 ผลงานอันเป็นเอกลักษณ์ของ Vishnyakov สองชิ้นได้รับการบูรณะ - ภาพวาดคู่ของ Tishinins ซึ่งลงวันที่ 1755 (พิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์และศิลปะแห่ง Rybinsk) การศึกษาพิเศษเกี่ยวกับผลงานของศิลปินคนนี้ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาทำให้สามารถระบุภาพวาดอีกหลายภาพที่เป็นของพู่กันของเขา (ภาพเหมือนของเด็กชาย Vasily Daragan, 1745, Chernihiv Historical Museum; ภาพเหมือนของผู้ปกครอง Anna Leopoldovna, 1742–1746 , พิพิธภัณฑ์รัสเซีย ภาพเหมือนของ M.S. Begichev, 1757, พิพิธภัณฑ์ V. A. Tropinin, ภาพเหมือนของ M. และ S. Yakovlev, ประมาณปี 1756, GE)

คุณสมบัติของพู่กันของ Vishnyakov ปรากฏให้เห็นในงานเหล่านี้ หนึ่งในสิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือภาพเหมือนของ Sarah Fermor นี่คือภาพพิธีทั่วไปในสมัยนั้น หญิงสาวแสดงเต็มตัวตรงทางแยกของพื้นที่เปิดโล่งและพื้นหลังแนวนอนพร้อมเสาบังคับและม่านหนาทึบ เธอสวมชุดเก่ง มีพัดอยู่ในมือ ท่วงท่าของเธอถูกจำกัด แต่ในความเคร่งขรึมเยือกแข็งนี้มีบทกวีมากมาย ความรู้สึกของชีวิตที่สั่นสะท้าน แฝงไปด้วยศิลปะชั้นสูงและจิตวิญญาณอันอบอุ่น ภาพเหมือนที่ผสมผสานกันตามแบบฉบับของ Vishnyakov ซึ่งเป็นลักษณะที่ตัดกันอย่างชัดเจน: เราสามารถสัมผัสถึงประเพณียุคกลางของรัสเซียที่ยังมีชีวิตอยู่ได้ รูปร่างและท่าทางมีเงื่อนไข ฉากหลังถูกตีความอย่างราบเรียบ - เป็นภูมิทัศน์ที่ตกแต่งอย่างเปิดเผย - แต่ใบหน้าถูกแกะสลักอย่างมีปริมาตร การเขียนอย่างประณีตของชุดสีเทาสีเขียวสีน้ำเงินตัดกับความมีชีวิตชีวาของภาพวาดหลายชั้นและมีประเพณีของการแบน มันถูกสื่อออกมาในรูปแบบภาพลวงตา เรายังคาดเดาประเภทของผ้าได้ด้วยซ้ำ แต่ดอกไม้จะกระจายไปตามลายมัวเรโดยไม่คำนึงถึงรอยพับ และ "ลวดลาย" นี้วางอยู่บนระนาบเช่นเดียวกับของจิ๋วรัสเซียรุ่นเก่า และตลอดโครงร่างภาพพิธีทั้งหมด - และนี่คือสิ่งที่น่าทึ่งที่สุด - ใบหน้าที่จริงจังและเศร้าของเด็กหญิงตัวเล็ก ๆ ที่ดูครุ่นคิดมีชีวิตที่วุ่นวาย

วิธีแก้ปัญหาสี - ภาพวาดโทนสีเงิน, การปฏิเสธจุดสว่างในท้องถิ่น (ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของแปรงของนายคนนี้) - เกิดจากธรรมชาติของแบบจำลองที่เปราะบางและโปร่งสบายคล้ายกับดอกไม้แปลกใหม่บางชนิด ราวกับว่ามาจากลำต้นหัวของมันงอกขึ้นบนคอที่บาง แขนลดลงอย่างช่วยไม่ได้ นักวิจัยมากกว่าหนึ่งคนเขียนเกี่ยวกับความยาวที่มากเกินไป สิ่งนี้ค่อนข้างจริงหากเราพิจารณาภาพบุคคลจากมุมมองของความถูกต้องทางวิชาการของภาพวาด: เราสังเกตว่าโดยทั่วไปแล้วมือจะยากที่สุดสำหรับปรมาจารย์ที่ไม่ได้รับการศึกษา "การศึกษา" อย่างเป็นระบบซึ่งเป็นศิลปินที่อยู่ตรงกลาง ศตวรรษที่ 18 และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Vishnyakov แต่ความยาวของพวกเขาที่นี่เน้นความเปราะบางของแบบจำลองอย่างกลมกลืนเช่นเดียวกับต้นไม้บาง ๆ ในพื้นหลัง Sarah Farmer ดูเหมือนจะไม่ใช่ศตวรรษที่ 18 ที่แท้จริง แต่เป็นศตวรรษที่ 18 ชั่วคราวซึ่งแสดงออกได้ดีที่สุดด้วยเสียงที่แปลกประหลาดของ minuet ซึ่งเป็นเพียงความฝันและตัวเธอเอง - ภายใต้พุ่มไม้ของ Vishnyakov - เป็นศูนย์รวมของความฝัน

Vishnyakov สามารถผสมผสานความชื่นชมในความร่ำรวยของโลกวัตถุและความรู้สึกที่ยิ่งใหญ่ในผลงานของเขาโดยไม่ใส่ใจในรายละเอียด ใน Vishnyakov ลัทธิอนุสาวรีย์นี้กลับไปสู่ประเพณีรัสเซียโบราณในขณะที่ความสง่างามและความซับซ้อนของโครงสร้างการตกแต่งเป็นพยานถึงความเชี่ยวชาญที่ยอดเยี่ยมในรูปแบบศิลปะยุโรป การผสมผสานที่ลงตัวของคุณสมบัติเหล่านี้ทำให้ Ivan Yakovlevich Vishnyakov เป็นหนึ่งในศิลปินที่ฉลาดที่สุดในยุคการเปลี่ยนแปลงทางศิลปะที่ซับซ้อนซึ่งอยู่ในรัสเซียในช่วงกลางศตวรรษที่ 18

"ความเก่าแก่" ในการเขียนด้วยลายมือด้วยภาพที่แสดงออกทางศิลปะนั้นชัดเจนยิ่งขึ้นในผลงานของ Alexei Petrovich Antropov (1716–1795) จิตรกรที่ทำงานเป็นเวลาหลายปีใน Chancellery จากอาคารภายใต้การดูแลของ Matveev และ Vishnyakov เขายังวาดภาพภายในพระราชวัง วาดภาพไอคอนสำหรับโบสถ์หลายแห่ง เช่นเดียวกับอาจารย์ของเขา ในการวาดภาพขาตั้ง เขาทำงานในประเภทภาพเหมือนของห้องแชมเบอร์ ซึ่งเขาได้รับความถูกต้องสมจริงอย่างมาก ในภาพแรกที่ลงมาหาเราผู้หญิงของรัฐ A.M. Izmailova (1759, State Tretyakov Gallery) - มีคุณสมบัติที่จะเป็นลักษณะของศิลปินตลอดชีวิตสร้างสรรค์ของเขา นี่คือภาพครึ่งตัวและภาพหรือมากกว่านั้นคือภาพครึ่งตัวและใบหน้าอยู่ใกล้ผู้ชมมากที่สุด ถ่ายมามีขนาดใหญ่มาก โซลูชันสีขึ้นอยู่กับความแตกต่างของจุดสีในท้องถิ่นขนาดใหญ่ การสร้างแบบจำลองความคมชัดและการตัดทอนของไดรฟ์ข้อมูล เขาประสบความสำเร็จเป็นพิเศษกับใบหน้าที่แก่ชราดังที่อาจารย์เองกล่าวไว้ซึ่งเขาไม่กลัวที่จะเน้นสัญญาณของชีวิตที่มีชีวิตสร้างภาพที่มีความถูกต้องสูง (ภาพเหมือนของ M.A. Rumyantseva, 1764, Russian Museum; ภาพเหมือนของ A.V. Buturlina, พ.ศ. 2306 หอศิลป์ State Tretyakov) พวกเขาอาจไม่มีจิตวิทยาที่ลึกซึ้ง แต่นี่ไม่ใช่แค่ความคล้ายคลึงกันเท่านั้น ในแต่ละรุ่น Antropov สามารถจับภาพที่สำคัญที่สุดได้ ดังนั้นภาพบุคคลของเขาจึงมีชีวิตชีวาอย่างน่าทึ่ง Antropov ไม่เปลี่ยนลักษณะเหล่านี้ของเขาเมื่อวาดภาพ "เจ้าชายแห่งคริสตจักร" ซึ่งเขาคุ้นเคยอย่างใกล้ชิดในขณะที่ทำหน้าที่เป็นเซ็นเซอร์ของ Synod (ภาพเหมือนของ S. Kulyabka, 1760, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย, ภาพเหมือนของ F. Dubyansky พิพิธภัณฑ์เฮอร์มิเทจ). แม้แต่ในภาพถ่ายพิธีการ โดยธรรมชาติแล้วไม่ได้พยายามตีความภาพในเชิงเหน็บแนมเลย ศิลปินยังคงแน่วแน่ต่อข้อสังเกตที่ไร้ความปรานีในบางครั้งของเขา ดังนั้นในภาพพิธีของ Peter III (1762, Russian Museum) เครื่องตกแต่งพระราชวังอันงดงามเครื่องราชกกุธภัณฑ์พิธีซึ่งพบได้ทั่วไปในภาพลักษณ์ของราชวงศ์นั้นตรงกันข้ามกับร่างที่น่าเกลียดของจักรพรรดิซึ่งน่าสมเพชในตัวเอง ความโอ่อ่าตามคำจำกัดความที่เหมาะสมของนักวิจัย (O.S. Evangulova) "ผู้ที่วิ่งเข้ามาราวกับบังเอิญและไม่นานนัก"

ด้วยการค้นพบที่เป็นจริงทั้งหมดของ Antropov จดหมายของเขามีมากมายจากประเพณีการวาดภาพของศตวรรษก่อน องค์ประกอบของภาพของเขาเป็นแบบคงที่ รูปภาพของตัวเลข - โดยมีปริมาตรของใบหน้าที่ขีดเส้นใต้ - แบน มีอากาศเล็กน้อยในพื้นหลังแนวตั้ง คุณสมบัติทั้งหมดเหล่านี้ในระดับใดระดับหนึ่งมักเป็นลักษณะของศิลปินในยุคหลัง Petrine ที่ไม่ได้รับการฝึกอบรมทางวิชาการ แต่ในขณะเดียวกันนี่คือความคิดริเริ่มของภาพวาดที่อยู่ตรงกลาง ศตวรรษกำหนดความเฉพาะเจาะจง Antropov เช่น Vishnyakov มีอิทธิพลอย่างมากต่อการวาดภาพในช่วงเวลาต่อมา จากโรงเรียนศิลปะเอกชนในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กหนึ่งในศิลปินที่โดดเด่นที่สุดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ - Levitsky

ใกล้กับ Antropov คือ Ivan Petrovich Argunov (1729–1802) ศิลปินข้าแผ่นดินของ Sheremetevs ซึ่งมาจากราชวงศ์ที่โดดเด่นซึ่งผลิตทั้งจิตรกรและสถาปนิก นอกเหนือจากการวาดภาพแล้ว Argunov ยังต้องจัดการกับการจัดการบ้าน Sheremetev มาตลอดชีวิต (ครั้งแรกที่ถนน Millionnaya ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กจากนั้นเรียกว่า Fountain House)

ภาพแรกของ Argunov ที่มีชื่อเสียงผสมผสานหลักการของการจัดองค์ประกอบภาพเหมือนพิธีการของยุโรปตะวันตกและลักษณะของความแข็ง ความแห้งของสี ความเรียบของ parsuna (ภาพเหมือนของเจ้าชาย I.I. Lobanov-Rostovsky, 1750 และภาพคู่ของเขา ภรรยาถูกประหารชีวิตในอีกสี่ปีต่อมาทั้งสองครั้ง) Argunov เริ่มเรียนกับ Groot ซึ่งมาถึงรัสเซียในทศวรรษที่ 1940 และช่วยเขาสร้างไอคอนสำหรับโบสถ์ของพระราชวัง Tsarskoye Selo จาก Groot Argunov ได้เรียนรู้เทคนิคการเขียน rocaille ซึ่งสามารถเห็นได้บนไอคอนสองชิ้นที่ยังหลงเหลืออยู่จากคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ State Russian Museum "The Savior" และ "The Mother of God": ร่างที่ยาว สง่างาม ค่อนข้างมีมารยาท สนุกสนาน รื่นเริง , ช่วงแสงของโทนสีน้ำเงิน อย่างไรก็ตามในภาพบุคคลของ Lobanov-Rostovskys โดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพบุคคลชายสีที่อิ่มตัวมีความหนาแน่นมากกว่า (caftan สีน้ำเงินเข้มที่มีปกและแขนเสื้อสีแดงสด, เสื้อคลุมสีม่วง, พื้นหลังสีน้ำตาลมะกอก) สาระสำคัญของวัตถุ (ผ้าลูกไม้, ขนสัตว์, ตุ้มหูในภาพเหมือนผู้หญิง, ขนเอมีนของเสื้อคลุมของภาพทั้งสองภาพ เป็นต้น) การพับผ้าที่ไล่อย่างประณีตโดยไม่เปิดเผยรูปร่างของร่างกาย ตลอดชีวิตของเขาที่เหลืออยู่ในฐานะศิลปินรับใช้ของ Sheremetevs Argunov วาดภาพเหมือนของอาจารย์ของเขาหลายครั้ง: P.B. Sheremetev และภรรยาของเขา Varvara Alekseevna - nee Princess Cherkasskaya (ภาพวาดใน State Hermitage Museum, Ostankino, State Tretyakov Gallery) แต่การถ่ายภาพบุคคลในห้องนั้นประสบความสำเร็จมากที่สุด ดังนั้นใบหน้าของสามีภรรยา Khripunovs เจ้าของที่ดินขนาดเล็กที่อาศัยอยู่ในบ้านของ Sheremetevs บนถนน Millionnaya ซึ่งบริหารงานโดย Argunov (1757, Ostankino) จึงเต็มไปด้วยความเป็นธรรมชาติ ความเป็นมิตร และความสำคัญภายในที่ยิ่งใหญ่ ใบหน้าที่ชาญฉลาดและเจ้าเล่ห์ของ Tolstoy (nee Lopukhina) ในภาพวาดจาก Kyiv Museum of Russian Art (1768) แต่ภาพของเด็กและเยาวชนที่ถูกประหารชีวิตโดย Argunov นั้นเต็มไปด้วยความอบอุ่นเป็นพิเศษ ภาพวาดที่ยอดเยี่ยมในโทนสีน้ำตาลอมเหลืองโดยลูกศิษย์ของ Sheremeteva "Kalmychka Annushka" (1767, Kuskovo) ภาพเหมือนตนเองที่เขียนขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 มีความโดดเด่นในเรื่องอิสระทางภาพที่ไม่ธรรมดา ซึ่งก่อนหน้านี้ถือว่าเป็นภาพของประติมากรที่ไม่รู้จักหรือสถาปนิก การลงสีถูกสร้างขึ้นจากการเล่นและการทำงานร่วมกันของเฉดสีเขียว (สีของชุดคลุม) สีน้ำตาล (แต่งขน) และสีมะกอก (พื้นหลัง) พร้อมด้วยสีฟ้าอ่อนและสีชมพูที่ผ้าเช็ดหน้า

ในยุค 80 ภายใต้อิทธิพลของทิศทางใหม่ - ความคลาสสิค - การเปลี่ยนแปลงสไตล์ของ Argunov: รูปแบบกลายเป็นประติมากรรม, รูปทรงชัดเจนขึ้น, สีเป็นแบบท้องถิ่นมากขึ้น สิ่งนี้เห็นได้อย่างชัดเจนในภาพของ "หญิงชาวนานิรนามในชุดรัสเซีย" (พ.ศ. 2327 หอศิลป์ State Tretyakov) ด้วยรูปแบบที่ปั้นได้ ความเรียบง่าย และความชัดเจนขององค์ประกอบ สีนี้ยังคงโทนอบอุ่น ศิลปินบรรจงสร้างมันขึ้นมาจากการผสมผสานระหว่างสีแดงและสีทองกับเนื้อมุก ดินจะส่องผ่านกระจกที่บางที่สุดซึ่งเป็นต้นแบบของรูปร่าง เนื่องจาก "Kalmychka Annushka" คาดการณ์ถึงภาพบุคคลในวัยเด็กของ Kiprensky ดังนั้น "Unknown Peasant Woman" ของ Argunov ที่มีศักดิ์ศรี ความสง่างาม และความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณของภาพจึงมีบางอย่างที่เหมือนกันกับ "Girl with a Burachka" ของชาวเมืองเวนิส

ที่เรียกว่าภาพย้อนบรรพบุรุษของป. Sheremetev: พ่อของเขาผู้บัญชาการ Petrine ที่มีชื่อเสียง Boris Petrovich Sheremetev ภรรยาของเขาและเจ้าชายทั้งสี่แห่ง Cherkassky พ่อแม่ของ Varvara Alekseevna ภรรยาของ Sheremetev Argunov ใช้ภาพบุคคลเหล่านี้ในงานของเขาซึ่งเป็นภาพที่เก็บรักษาไว้ในช่วงชีวิตของเขาและองค์ประกอบของภาพพิธีการในยุโรป (ภาพสี่ภาพดังกล่าวซึ่งมีไว้สำหรับห้องโถงรูปไข่ของ Fountain House ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Argunov ไม่เพียง แต่เป็นศิลปินที่น่าสนใจเท่านั้น แต่ยังเป็นครูที่มีความสามารถอีกด้วย ในช่วงต้นปี 1753 เด็กชายสามคน "ที่หลับไปพร้อมกับเสียงของพวกเขา" ถูกส่งไปหาเขาเพื่อรับการฝึก พวกเขาจะกลายเป็นจิตรกรชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียง: พวกเขาคือ Losenko, Golovachevsky และ Sablukov Argunov ศึกษากับ Nikolai Argunov ลูกชายของเขาด้วย

นอกจากการวาดภาพแล้ว ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 กราฟิกโดยเฉพาะอย่างยิ่งภูมิทัศน์สถาปัตยกรรมได้พัฒนาในศิลปะรัสเซียด้วยวิธีที่น่าสนใจ โดยหลักแล้วต้องขอบคุณช่างเขียนแบบที่โดดเด่นและ "ปรมาจารย์ด้านภูมิทัศน์" เช่น M.I. มาคาเยฟ ภาพวาดเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กของเขาถูกแกะสลักโดยช่างแกะสลักที่มีพรสวรรค์ของ Academy of Sciences E.G. Vinogradov, A.A. Grekov และคนอื่น ๆ (“ ภายใต้การดูแล” ของ I.A. Sokolov) ถ่ายทอดภาพลักษณ์ของเมืองที่สวยงามที่สุดแห่งพระราชวัง, เขื่อน, แหล่งน้ำ Makhaev รู้วิธีและชอบที่จะถ่ายทอดความลึกของอวกาศสภาพแวดล้อมทางอากาศซึ่งทำให้การแกะสลักจากภาพวาดของเขาแตกต่างจากการแกะสลักของ Zubov (“ แผนเมืองหลวงของวันครบรอบปีของเมือง)

ในการเชื่อมต่อกับพิธีราชาภิเษกของ Elizabeth Petrovna ภาพสลักมากมายของเหตุการณ์นี้ก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน สิ่งที่น่าสนใจที่สุดนั้นสร้างโดยศิลปินกราฟิกชื่อดังอีกคนหนึ่ง - I.A. Sokolov ซึ่งเป็นหัวหน้าช่างแกะสลักชาวรัสเซียที่ Academy of Sciences ประมาณสิบปีและแทนที่ H.-A. วอร์แมน.

กิจกรรมขนาดใหญ่ที่มีพายุ มีพลัง และมีพลังของ Mikhail Vasilyevich Lomonosov (1711–1765) ไม่สามารถส่งผลกระทบต่องานศิลปะในช่วงกลางศตวรรษที่เต็มไปด้วยการค้นหาและการค้นพบที่สร้างสรรค์ กางเกงว่ายน้ำทดลองมากกว่าสี่พันตัวนำหน้าการประดิษฐ์ smalts สีสำหรับกระเบื้องโมเสคซึ่งไม่ได้ด้อยกว่าในด้านความงามของอิตาลี Lomonosov ทำการทดลองที่โรงงานใน Ust-Ruditsa ใกล้เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Lomonosov มีความคิดที่ยิ่งใหญ่ในการสร้างแผงโมเสกขนาดใหญ่กว่ายี่สิบแผ่นสำหรับมหาวิหารปีเตอร์และพอล (ภาพโมเสก Poltava Battle, 1762–1764, RAS, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, ได้ลงมาหาเราแล้ว) ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1751 ถึงปี ค.ศ. 1769 มีการสร้างภาพโมเสกมากกว่าสี่สิบภาพ ในบรรดาภาพเหมือนของ Peter I (1755–1757, GE) และ Elizabeth Petrovna (1758–1760, Russian Museum) ความตายขัดขวางไม่ให้ Lomonosov ดำเนินการตามแผนอันยิ่งใหญ่ของเขาเพื่อฟื้นฟูศิลปะโมเสกอันยิ่งใหญ่ ซึ่งเขามองว่าเป็นวิธีการอันทรงพลังในการโฆษณาชวนเชื่อที่ยิ่งใหญ่ของแนวคิดรักชาติอันสูงส่ง

ยุคของปีเตอร์ที่ 1 มีความสำคัญพื้นฐานสำหรับศิลปะรัสเซียในยุคปัจจุบัน รัสเซียในทุก ๆ ด้าน รวมถึงด้านการก่อสร้างทางวัฒนธรรมต้องยืนหยัดทัดเทียมกับประเทศในยุโรปตะวันตก ปีเตอร์เข้าใจถึงความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับรัสเซียในการเรียนรู้ประสบการณ์ทางศิลปะขั้นสูงของตะวันตก ซื้อผลงานของปรมาจารย์ชาวยุโรปตะวันตกการเดินทางของผู้รับบำนาญถูกจัดโดยค่าใช้จ่ายของรัฐของอาจารย์ชาวรัสเซียเพื่อศึกษาในยุโรปศิลปินต่างชาติได้รับเชิญให้ทำงานและฝึกอบรมอาจารย์ชาวรัสเซียในรัสเซีย

I. N. Nikitin. ภาพเหมือนของเฮทแมนกลางแจ้ง 1720s ผ้าใบ,น้ำมัน.

เมื่อสังเกตการเปลี่ยนแปลงในศิลปะรัสเซียเราต้องไม่ลืมว่าสิ่งเหล่านี้มีพื้นฐานมาจากมรดกทางประวัติศาสตร์ที่ยิ่งใหญ่ซึ่งจัดทำขึ้นโดยแนวทางการพัฒนาวัฒนธรรมศิลปะก่อนหน้านี้ ในศิลปะของศตวรรษที่ XVII คุณลักษณะใหม่ ๆ ปรากฏขึ้นเช่นการสร้างพระราชวังประเภทภาพบุคคลในการวาดภาพเริ่มได้รับการพิจารณา แต่ได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ที่สุดในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 ประเพณีของชาติมีอิทธิพลอย่างมากต่อลักษณะงานของอาจารย์ต่างชาติหลายคนที่ทำงานในรัสเซีย

A. M. MATVEEV รับสายอัตโนมัติกับภรรยา ผ้าใบ,น้ำมัน.

สาระสำคัญของการเปลี่ยนแปลงของ Peter ในด้านวัฒนธรรมคือ "secularization" ซึ่งหมายความว่าศิลปะกลายเป็นฆราวาส มันหยุดให้บริการผลประโยชน์ของลัทธิศาสนาเท่านั้น องค์ประกอบทางศิลปะกำลังเปลี่ยนไป กิจกรรมทางศิลปะประเภทใหม่ๆ ปรากฏขึ้น แนวเพลง และสุดท้ายคือภาษาภาพกำลังเปลี่ยนไป พื้นฐานของการวาดภาพคือการสังเกต การศึกษารูปแบบของธรรมชาติบนโลกและมนุษย์ และไม่เป็นไปตามรูปแบบที่บัญญัติไว้เหมือนในยุคกลาง

ในบรรดาประเภทของภาพวาดเริ่มตั้งแต่สมัยปีเตอร์มหาราชและตลอดศตวรรษที่ 18 ผู้นำกลายเป็นภาพบุคคล ผลงานของจิตรกรภาพเหมือนชาวรัสเซียสองคน - I. N. Nikitin และ A. M. Matveev เป็นจุดกำเนิดของภาพบุคคลทางจิตวิทยา

V. L. Borovikovsky ภาพเหมือนของ A. G. และ V. G. Gagarin 2345. สีน้ำมันบนผ้าใบ. หอศิลป์ State Tretyakov มอสโก

การก่อสร้างทางแพ่งและพระราชวังในยุค Petrine เป็นช่วงเวลาใหม่ที่สดใสในประวัติศาสตร์สถาปัตยกรรมรัสเซีย

ศิลปะในยุคของปีเตอร์เป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นทักษะระดับสูง - "ศิลปะ" ในธุรกิจใด ๆ ไม่ว่าจะเป็นงานจิตรกรรมประติมากรรมหรือการสร้างแบบจำลองของเรือหรือนาฬิกา การผสมผสานของศิลปะเข้ากับเทคโนโลยี วิทยาศาสตร์ และงานฝีมือกำหนดลักษณะพิเศษทางศิลปะและวิศวกรรมของวัฒนธรรมในยุค Petrine ไม่เพียง แต่รัฐเท่านั้น แต่ยังรวมถึงกิจกรรมทางวัฒนธรรมที่ใหญ่ที่สุดของ Peter I คือการก่อตั้งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - เมืองหลวงใหม่ของจักรวรรดิรัสเซียรุ่นเยาว์ซึ่งกำลังกลายเป็นศูนย์กลางของศิลปะใหม่

A. G. Venetsianov ในการเก็บเกี่ยว ฤดูร้อน. 1820s ผ้าใบ,น้ำมัน. หอศิลป์ State Tretyakov มอสโก.

ศิลปะเริ่มทำหน้าที่ในการตกแต่งชีวิตและชีวิตประจำวัน, ได้รับ, พร้อมกับขอบเขตที่ยิ่งใหญ่, ตัวละครที่รื่นเริง, งดงามและตกแต่ง. คุณสมบัติเหล่านี้แสดงออกอย่างชัดเจนและสมบูรณ์แบบที่สุดในผลงานของสถาปนิกผู้ยิ่งใหญ่ VV Rastrelli ผู้สร้างพระบรมมหาราชวังใน Tsarskoye Selo และพระราชวังฤดูหนาวในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งเป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของสไตล์บาโรก

ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 - ช่วงเวลาแห่งการผลิดอกออกผลอันทรงพลังของศิลปะรัสเซียในยุคปัจจุบัน หมดเวลาฝึกงานกับยุโรปแล้ว สถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2300 กลายเป็นบุคลากรทางศิลปะระดับชาติ ระบบการศึกษาศิลปะมีความคล่องตัว การติดต่อกับโลกวัฒนธรรมยุโรปมีสมาธิมากขึ้น จุดเริ่มต้นของกิจกรรมของ Academy of Arts เกิดขึ้นพร้อมกับการก่อตั้งลัทธิคลาสสิก - สไตล์ที่ต่อต้านการตกแต่งที่โอ่อ่าและความฟุ่มเฟือยของบาโรกด้วยตรรกะที่เข้มงวด ความชัดเจนและสัดส่วนที่สมเหตุสมผล ซึ่งถูกค้นพบอีกครั้งในผลงานคลาสสิกของศิลปะโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา . ในสถาปัตยกรรมนี่คือช่วงเวลาของกิจกรรมของสถาปนิกที่โดดเด่นเช่น V.I. Bazhenov - ผู้เขียนบ้าน Pashkov ในมอสโก, M.F. ซึ่งสร้างวัง Tauride ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, C. Cameron - ผู้สร้างพระราชวังและภูมิทัศน์อันงดงาม ชุดทำสวนใน Pavlovsk ใกล้เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก การเพิ่มขึ้นของประติมากรรมในประเทศในผลงานของ F. G. Gordeev, I. P. Martos, M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin ยังเกี่ยวข้องกับยุคของลัทธิคลาสสิก ประติมากรรมรูปเหมือนของ F. I. Shubin มีความโดดเด่นด้วยข้อมูลเชิงลึกทางจิตวิทยาที่ยอดเยี่ยม ความกล้าหาญ และความยืดหยุ่นของเทคนิคทางศิลปะ ซึ่งแตกต่างจากแผนทั่วไปใดๆ หลักฐานของความเป็นผู้ใหญ่ของศิลปะรัสเซียที่ประสบความสำเร็จในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 คือความหลากหลายของบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์ซึ่งสะท้อนให้เห็นเช่นในความแตกต่างในรูปแบบศิลปะของปรมาจารย์ด้านการวาดภาพบุคคลที่ใหญ่ที่สุดสองคน - F. S. Rokotov และ D. G. Levitsky ภาพวาดของ Levitsky เต็มไปด้วยความสดใส, ความมึนเมาด้วยความงามที่มองเห็นได้ของโลกวัตถุ, ดึงดูดใจด้วยความบริบูรณ์ของชีวิต, ความหลากหลายของประเภทมนุษย์ที่สร้างขึ้นใหม่ที่น่าทึ่ง, ความมีชีวิตชีวาของน้ำเสียงทางอารมณ์ - ความเคร่งขรึม, ความสง่างาม, ความเจ้าเล่ห์, ความเย่อหยิ่ง, การโอ้อวด ฯลฯ Rokotov ในภาพบุคคลที่ดีที่สุดของปี 1770 ปรากฏเป็นเจ้าแห่งลักษณะที่ใกล้ชิด แสดงออกในความแตกต่างและเฉดสีของการแสดงออกทางสีหน้า ริบหรี่อย่างลึกลับจากความมืดของพื้นหลังที่งดงาม ผลงานของ V. L. Borovikovsky ซึ่งเสร็จสิ้นการออกดอกของศิลปะภาพเหมือนในศตวรรษที่ 18 นั้นถูกทำเครื่องหมายด้วยอิทธิพลของความคิดและอารมณ์ของความรู้สึกอ่อนไหว

F. S. Rokotov ภาพเหมือนของ A. P. Struiskaya (รายละเอียด) 2315. สีน้ำมันบนผ้าใบ. หอศิลป์ State Tretyakov มอสโก.

ด้วยการโจมตีของศตวรรษที่ 19 การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญกำลังเกิดขึ้นในงานศิลปะของรัสเซีย จุดเริ่มต้นของศตวรรษนั้นเกิดจากการกำเนิดของเทรนด์ศิลปะใหม่ - แนวโรแมนติกซึ่งโฆษกคนแรกคือ O. A. Kiprensky ภาพวาดของรัสเซียเป็นหนี้การค้นพบของ S. F. Shchedrin ในการเขียนแบบลมในอากาศ A. G. Venetsianov กลายเป็นผู้ก่อตั้งประเภทชีวิตประจำวันของรัสเซีย เป็นครั้งแรกที่เขาเปลี่ยนภาพชีวิตชาวนาเป็นโลกที่เต็มไปด้วยความปรองดอง ความยิ่งใหญ่ และความสวยงาม ตรงกันข้ามกับความขัดแย้งระหว่าง "ธรรมชาติที่เรียบง่าย" และ "ธรรมชาติที่สง่างาม" ที่มีอยู่ในสุนทรียศาสตร์เชิงวิชาการ ความสง่างามถูกค้นพบในสาขากิจกรรมที่ก่อนหน้านี้ถือว่าไม่คู่ควรกับงานศิลปะ ในภาพวาดของ Venetsianov เป็นครั้งแรกที่เนื้อเพลงที่เจาะทะลุของธรรมชาติในชนบทของรัสเซียฟังขึ้น เขาเป็นครูที่ยอดเยี่ยม เขาได้รวบรวมดาราจักรของศิลปิน เช่น A. V. Tyranov, G. V. Soroka และคนอื่นๆ หนึ่งในประเภทชั้นนำในงานของพวกเขาพร้อมกับแนวนอนและแนวตั้งคือการตกแต่งภายใน องค์ประกอบประเภทของศิลปะรัสเซียได้รับการเสริมแต่ง การพรรณนาชีวิตด้วยหน้ากากที่เรียบง่ายและไม่เป็นพิธีการ ในวิถีชีวิตประจำวันอันสงบสุข ในภาพธรรมชาติดั้งเดิมของพวกเขา ทำให้ความงามในงานศิลปะสมน้ำสมเนื้อกับความรู้สึกของคนทั่วไปที่มองว่าความงามและบทกวีเป็นช่วงเวลาแห่งการพักผ่อนและความเงียบงัน ชนะจากความกังวลในชีวิตประจำวันและการทำงาน ในเวลาเดียวกัน ระบบภาพปรากฏขึ้นซึ่งตรงข้ามกับโรงเรียนวิชาการ ซึ่งเป็นระบบที่ไม่ได้อิงกับรูปแบบดั้งเดิมในอดีต แต่เป็นการค้นหารูปแบบฮาร์มอนิกและบทกวีในชีวิตประจำวัน ความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน ความเป็นจริงรุกรานงานศิลปะอย่างไร้เหตุผลและนำไปสู่ยุค 40 ไปจนถึงความเฟื่องฟูของกราฟิกในชีวิตประจำวันและเสียดสี (V. F. Timm, A. A. Agin) ซึ่งเปรียบได้กับ "โรงเรียนธรรมชาติ" ในวรรณกรรม แนวศิลปะนี้ถึงจุดสูงสุดในผลงานของ P. A. Fedotov ผู้นำเสนอความขัดแย้งในภาพประจำวัน การกระทำที่น่าทึ่งที่พัฒนาขึ้นโดยมีภูมิหลังทางสังคมที่เหน็บแนม บังคับให้สภาพแวดล้อมภายนอกตอบสนองเป้าหมายของสังคม ศีลธรรม และลักษณะทางจิตวิทยาในภายหลังของ ตัวละคร การคิดใหม่เกี่ยวกับรูปแบบดั้งเดิมของโรงเรียนวิชาการทำให้เกิดการสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่ในภาพวาดประวัติศาสตร์เช่น "วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี" โดย K. P. Bryullov และในแง่หนึ่ง "การปรากฏของพระคริสต์ต่อประชาชน" โดย A. A. Ivanov ในอีกด้านหนึ่ง Ivanov เติมเต็มการวาดภาพด้วยการพัฒนาทางจิตวิทยาเชิงลึก การค้นพบวิธีการใหม่แบบ etude ในการทำงานบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ การผสมผสานอย่างชาญฉลาดของมรดกคลาสสิก, การตรวจสอบหลักการโดยประสบการณ์ของตัวเองในการวาดภาพในที่โล่ง, ขนาดของแนวคิดสร้างสรรค์, ทัศนคติต่อของขวัญที่สร้างสรรค์เป็นความรับผิดชอบที่ยิ่งใหญ่ในการให้ความรู้แก่ผู้คนและปรับปรุงวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของพวกเขา - ทั้งหมดนี้ทำให้งานของ Ivanov ไม่เพียง แต่เป็นโรงเรียนแห่งทักษะเท่านั้น แต่ยังเป็นบทเรียนที่ยอดเยี่ยมเกี่ยวกับมนุษยนิยมในงานศิลปะอีกด้วย

O. A. Kiprensky ภาพเหมือนของเด็กชาย A. A. Chelishchev ตกลง. 2352. สีน้ำมันบนผ้าใบ. หอศิลป์ State Tretyakov มอสโก.

หนึ่งในสามของศตวรรษที่ 19 - ขั้นสูงสุดในการพัฒนาความคลาสสิกในสถาปัตยกรรมรัสเซีย ซึ่งมักเรียกว่าเอ็มไพร์ ความคิดสร้างสรรค์ทางสถาปัตยกรรมในยุคนี้ไม่ใช่การออกแบบอาคารแต่ละหลังที่สมบูรณ์แบบเท่าศิลปะการจัดระเบียบทางสถาปัตยกรรมของถนนและจัตุรัสขนาดใหญ่ นั่นคือกลุ่มการวางผังเมืองของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - ทหารเรือ (สถาปนิก A. D. Zakharov), การแลกเปลี่ยนที่ถ่มน้ำลายของเกาะ Vasilyevsky (สถาปนิก J. Thomas de Thomon), มหาวิหารคาซาน (สถาปนิก A. N. Voronikhin) วงดนตรีของ K. I. Rossi ผู้แต่ง General Staff Building ซึ่งสร้างองค์ประกอบของ Palace Square ให้เสร็จสมบูรณ์ และอาคาร ถนน และจัตุรัสที่ซับซ้อนรอบ ๆ โรงละคร Alexandrinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งออกแบบโดยเขานั้นถูกทำเครื่องหมายด้วยขอบเขตที่ยิ่งใหญ่ ของการวางผังเมือง

V. A. Tropinin. ภาพเหมือนของลูกชายของ Arseny Tropinin 2361. สีน้ำมันบนผ้าใบ. หอศิลป์ State Tretyakov มอสโก.

ตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 1860 นับตั้งแต่มีการยกเลิกความเป็นทาส ศิลปะของรัสเซียได้รับความสนใจอย่างมากและพูดถึงความจำเป็นในการเปลี่ยนแปลงทางสังคมขั้นพื้นฐาน ศิลปะประกาศสิ่งนี้โดยแสดงให้เห็นถึงความชั่วร้ายของความอยุติธรรมทางสังคม เปิดเผยความชั่วร้ายและแผลพุพองของสังคม (ผลงานส่วนใหญ่ของ V. G. Perov ในยุค 1860) มันเปรียบเทียบความซบเซาของชีวิตสมัยใหม่กับพลังการเปลี่ยนแปลงของยุคประวัติศาสตร์ที่สำคัญ (ภาพวาดโดย V.I. Surikov ในช่วงปี 1880)

เอส.เอฟ.เชดริน. คืนเดือนหงายในเนเปิลส์ พ.ศ.2371-2372. ผ้าใบ,น้ำมัน. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

การรวมกันของความจริงของตัวละครและสถานการณ์ด้วยการพรรณนาความจริงของชีวิตในรูปแบบที่รับรู้ในประสบการณ์ทั่วไปในชีวิตประจำวันเป็นคุณลักษณะของสัจนิยมที่สำคัญหรือประชาธิปไตยซึ่งสอดคล้องกับศิลปะรัสเซียที่ก้าวหน้าได้รับการพัฒนา ตั้งแต่ช่วงต้นทศวรรษ 1860 สารอาหารและผู้ชมหลักของศิลปะใหม่นี้คือปัญญาชน raznochintsy ความมั่งคั่งของความสมจริงในระบอบประชาธิปไตยในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของ Association of Travelling Art Exhibitions ซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2413 (ดู Wanderers) ผู้นำทางอุดมการณ์และผู้จัดงาน Wanderers คือ I. N. Kramskoy หนึ่งในศิลปินที่ลึกซึ้งที่สุด นักทฤษฎี นักวิจารณ์ และอาจารย์ที่มีความสามารถ ภายใต้อิทธิพลการชี้นำของเขา TPES มีส่วนร่วมในการรวบรวมกองกำลังศิลปะขั้นสูง การขยายตัวและการทำให้เป็นประชาธิปไตยของผู้ชมเนื่องจากความพร้อมใช้งานของภาษาศิลปะ ความครอบคลุมที่ครอบคลุมของปรากฏการณ์ของชีวิตชาวบ้าน ความสามารถในการทำให้ศิลปะมีความละเอียดอ่อนทางสังคม มีความสามารถ ในการหยิบยกหัวข้อและประเด็นที่เกี่ยวข้องกับสังคมในช่วงเวลาประวัติศาสตร์ที่กำหนด

A. I. Kuindzhi ตอนเย็นในยูเครน 2421. สีน้ำมันบนผ้าใบ. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย เลนินกราด

ในปี 1860 ภาพวาดประเภทที่โดดเด่นในยุค 70 บทบาทของภาพเหมือน (V. G. Perov, I. N. Kramskoy, N. A. Yaroshenko) และภูมิทัศน์ (A. K. Savrasov, I. I. Levitan, I. (I. Shishkin, A. I. Kuindzhi, V. D. Polenov) บทบาทสำคัญในการส่งเสริมศิลปะของ Wanderers เป็นของนักวิจารณ์ศิลปะและนักประวัติศาสตร์ศิลปะที่โดดเด่น V. V. Stasov ในขณะเดียวกันกิจกรรมการรวบรวมของ P. M. Tretyakov ก็กำลังพัฒนา แกลเลอรี่ของเขา (ดูที่ Tretyakov Gallery) กลายเป็นฐานที่มั่นของโรงเรียนใหม่ที่เหมือนจริง โปรไฟล์ของคอลเล็กชันของเขาถูกกำหนดโดยผลงานของ Wanderers

ยุคต่อไปของศิลปะรัสเซียคือปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ทศวรรษที่ 1980 เป็นทศวรรษแห่งการเปลี่ยนผ่าน เมื่อความสมจริงแบบพเนจรถึงจุดสูงสุดในงานของ I. E. Repin และ V. I. Surikov ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาภาพวาดรัสเซียชิ้นเอกดังกล่าวถูกสร้างขึ้นในชื่อ "Morning of the Streltsy Execution", "Boyar Morozova" โดย V. I. Surikov, "ขบวนทางศาสนาในเขตปกครองเคิร์สต์", "การจับกุมการโฆษณาชวนเชื่อ", "พวกเขาไม่รอ" โดย I. E. Repin ถัดจากพวกเขาคือศิลปินรุ่นใหม่ที่มีโปรแกรมสร้างสรรค์ที่แตกต่างกัน - V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin ความขัดแย้งของการพัฒนาทุนนิยมกระฎุมพีตอนปลายมีอิทธิพลต่อชีวิตฝ่ายวิญญาณของสังคม ในความคิดของศิลปิน โลกแห่งความเป็นจริงถูกตราหน้าด้วยความละโมบของชนชั้นนายทุนและผลประโยชน์เล็กน้อย พวกเขาเริ่มมองหาความกลมกลืนและความสวยงามนอกเหนือไปจากความเป็นจริงที่ดูน่าเบื่อ - ในขอบเขตแห่งจินตนาการทางศิลปะ บนพื้นฐานนี้ความสนใจในเทพนิยายโครงเรื่องเชิงเปรียบเทียบและตำนาน (V. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, M. A. Vrubel) ซึ่งนำไปสู่การค้นหารูปแบบศิลปะที่สามารถแปลจินตนาการของผู้ชมให้อยู่ในขอบเขตของการแสดงนิทานพื้นบ้าน ความทรงจำในอดีตหรือลางสังหรณ์ที่คลุมเครือในอนาคต ความเด่นของภาพและรูปแบบที่สื่อถึงเนื้อหาของความทันสมัยโดยอ้อมเหนือรูปแบบการสะท้อนโดยตรงเป็นลักษณะเด่นอย่างหนึ่งของศิลปะในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ความซับซ้อนของภาษาศิลปะเป็นลักษณะของงานของตัวแทนของ "World of Art" ซึ่งเป็นกลุ่มศิลปะที่ก่อตัวขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20

V. M. Vasnetsov Alyonushka. 2424. สีน้ำมันบนผ้าใบ. หอศิลป์ State Tretyakov มอสโก.

สไตล์อาร์ตนูโวกลายเป็นสิ่งสำคัญในช่วงเวลานี้ นอกเหนือจากการวาดภาพแล้ว สถาปัตยกรรมก็กำลังพัฒนาอย่างต่อเนื่อง ซึ่งสไตล์อาร์ตนูโว ศิลปะและงานฝีมือ กราฟฟิคหนังสือ ประติมากรรม และศิลปะการแสดงละครและมัณฑนศิลป์ พื้นที่ของการประยุกต์ใช้ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะกำลังขยายตัวอย่างมาก แต่ปฏิสัมพันธ์และอิทธิพลร่วมกันของพื้นที่เหล่านี้มีความสำคัญมากกว่า ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้จะมีการสร้างศิลปินสากลประเภทหนึ่งที่สามารถ "ทำทุกอย่าง" - วาดภาพและแผงตกแต่งแสดงบทความสั้น ๆ สำหรับหนังสือและภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ปั้นประติมากรรมและสร้างภาพร่างของชุดการแสดงละคร ในระดับที่แตกต่างกันคุณสมบัติของความเป็นสากลนั้นถูกทำเครื่องหมายเช่นผลงานของ M. A. Vrubel และสถาปนิกชั้นนำของสไตล์อาร์ตนูโวในรัสเซีย F. O. Shekhtel รวมถึงศิลปินแห่ง World of Art

เหตุการณ์สำคัญที่สำคัญที่สุดในวิวัฒนาการของการวาดภาพรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษนั้นถูกทำเครื่องหมายด้วยผลงานของ V. A. Serov ซึ่งงานของเขาเต็มไปด้วยความปรารถนาโดยใช้รูปแบบโวหารใหม่เพื่อหลีกเลี่ยงความสุดโต่งทางการ เพื่อให้ได้ความชัดเจนและความเรียบง่ายแบบคลาสสิก ในขณะที่ยังคงซื่อสัตย์ต่อกฎของโรงเรียนที่เป็นจริงมนุษยนิยมซึ่งมีสติ - มุมมองที่สำคัญของโลกถูกรวมเข้ากับแนวคิดเกี่ยวกับจุดประสงค์สูงสุดของมนุษย์

เอ. เค. ซาฟราซอฟ Rooks มาถึงแล้ว 2414. สีน้ำมันบนผ้าใบ. หอศิลป์ State Tretyakov มอสโก.

ชีวิตทางศิลปะในต้นศตวรรษที่ 20 มีความรุนแรงเป็นประวัติการณ์ เหตุการณ์ปฏิวัติ พ.ศ. 2448-2450 กระตุ้นการพัฒนาศิลปะเชิงรุกทางสังคม ผลงานของ N. A. Kasatkin, S. V. Ivanov และคนอื่น ๆ ได้รวบรวมกิจกรรมทางสังคมและสังคมที่สำคัญที่สุดของปีนี้ซึ่งเป็นภาพลักษณ์ของคนงานในฐานะกำลังหลักของการปฏิวัติ อาจารย์หลายคนทำงานในสาขากราฟิกการเมืองเสียดสีและการ์ตูนในนิตยสาร

ช่วงของประเพณีทางศิลปะซึ่งหมายถึงศิลปะในศตวรรษที่ 20 นั้นกว้างผิดปกติ นอกเหนือจากชีวิตที่ดำเนินต่อไปของผู้พเนจรแล้วยังมีภาพวาดอิมเพรสชันนิสม์ที่แตกต่างกันในหมู่ปรมาจารย์ของ Union of Russian Artists สัญลักษณ์ซึ่งแสดงโดยผลงานของ V. E. Borisov-Musatov และศิลปินของสมาคม Blue Rose

เค. เอ. โคโรวิน. ในช่วงฤดูหนาว. 2437. สีน้ำมันบนผ้าใบ. หอศิลป์ State Tretyakov มอสโก.

ความปรารถนาที่จะปรับปรุงภาษาศิลปะโดยอ้างอิงถึงรูปแบบของงานหัตถกรรมในเมืองและศิลปะพื้นบ้าน ของเล่น ภาพพิมพ์ยอดนิยม สัญญาณ ภาพวาดสำหรับเด็ก ในขณะที่คำนึงถึงประสบการณ์ของการวาดภาพฝรั่งเศสล่าสุด เป็นลักษณะกิจกรรมของศิลปินของ " Jack of Diamonds" - สังคมที่จัดตั้งขึ้นในปี 2453 ในผลงานของปรมาจารย์ของทิศทางนี้ - P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov - บทบาทของชีวิตยังคงเพิ่มขึ้นอย่างมีนัยสำคัญ ประเพณีการวาดภาพรัสเซียโบราณได้รับการหักเหใหม่ในงานศิลปะของ K. S. Petrov-Vodkin

เอฟ. เอ. วาซิลิเยฟ ก่อนฝนตก 2412. สีน้ำมันบนผ้าใบ. หอศิลป์ State Tretyakov มอสโก.

เพิ่มขึ้นอย่างมากในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIX-XX ประติมากรรม. P. P. Trubetskoy นำเสนอคุณสมบัติที่น่าประทับใจ การจัดองค์ประกอบภาพบุคคลของเขาโดดเด่นด้วยความเฉียบคมของช่วงเวลาแห่งชีวิตที่บันทึกไว้ ความสมบูรณ์ของเฉดสีที่ละเอียดอ่อน การทำงานกับวัสดุเนื้ออ่อน Trubetskoy กลับมาที่งานประติมากรรมด้วยความรู้สึกที่หายไปของวัสดุ ความเข้าใจในคุณสมบัติที่แสดงออกของมัน อนุสาวรีย์ของ Alexander III ซึ่งสร้างโดย Trubetskoy ในปี 1909 เป็นตัวอย่างที่ไม่เหมือนใครของการแก้ปัญหาภาพที่แปลกประหลาดในประวัติศาสตร์ของอนุสาวรีย์ อนุสาวรีย์ของ N.V. Gogol สร้างโดย N.A. Andreev (1909) เป็นของความสำเร็จที่น่าทึ่งของประติมากรรมที่ยิ่งใหญ่

ในประติมากรรมปี 1912 "Seated Man" โดย A. S. Golubkina ภาพที่สังเคราะห์ความคิดเกี่ยวกับชะตากรรมของชนชั้นกรรมาชีพสมัยใหม่ปรากฏขึ้น - นี่เป็นสัญลักษณ์ของการถูกใส่กุญแจมือชั่วคราว แต่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งความแข็งแกร่งที่กบฏ ความคิดสร้างสรรค์ของ S. T. Konenkov นั้นโดดเด่นด้วยประเภทและรูปแบบโวหารที่หลากหลาย ความประทับใจที่แท้จริงของการต่อสู้เพื่อการปฏิวัตินั้นรวมอยู่ในประติมากรในภาพเหมือน "คนงาน - สงครามในปี 1905 Ivan Churkin" ไม่เพียงแค่ใบหน้าเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความแข็งแกร่งของบล็อกหินซึ่งเน้นด้วยความตระหนี่ของการประมวลผล ก่อให้เกิดภาพลักษณ์ของเจตจำนงที่ไม่อาจทำลายได้ ซึ่งถูกทำให้สงบลงด้วยไฟแห่งการต่อสู้ในชั้นเรียน ประเพณีของประติมากรรมคลาสสิกได้รับการฟื้นฟูในผลงานของ A. T. Matveev

เอส. เอ. โคโรวิน. บนโลก. 2436. สีน้ำมันบนผ้าใบ. หอศิลป์ State Tretyakov มอสโก.

ความปรารถนาที่จะคิดใหม่และฟื้นคืนชีวิตใหม่ให้กับภาพและรูปแบบเกือบทั้งหมดที่มนุษย์ประดิษฐ์ขึ้นตลอดหลายศตวรรษของประวัติศาสตร์และในเวลาเดียวกันการทดลองอย่างเป็นทางการบางครั้งก็ถึงการปฏิเสธประเพณีทั้งหมด - นี่คืออาการที่รุนแรงของสถานการณ์ทางศิลปะ ในศิลปะรัสเซียช่วงต้นศตวรรษที่ 20 อย่างไรก็ตาม ความสุดโต่งเหล่านี้เป็นตัวบ่งบอกถึงความขัดแย้งภายในอย่างลึกซึ้งในชีวิตชาวรัสเซียในช่วงก่อนการปฏิวัติ และในแบบของพวกเขาเองก็สะท้อนให้เห็นถึงความซับซ้อนของเวลา ซึ่งตามที่ A. Blok กล่าวว่า "การเปลี่ยนแปลงที่ไม่เคยได้ยินมาก่อน การจลาจลที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อน " ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ ความอ่อนไหวต่อปรากฏการณ์ของเวลาได้ถูกหยิบยกขึ้นมา ซึ่งรวมถึงวัฒนธรรมงานฝีมือชั้นสูง ศิลปินที่ดีที่สุดในยุคก่อนการปฏิวัติได้นำมาสู่ศิลปะโซเวียต (ดู

จนถึงต้นศตวรรษที่ 18 ประเพณีการวาดภาพไอคอนส่วนใหญ่พัฒนาขึ้นในการวาดภาพของรัสเซีย

ตามบันทึกของคนรุ่นราวคราวเดียวกันในรัสเซียในเวลานั้นรูปภาพใด ๆ ถูกนำไปใช้เป็นไอคอน: บ่อยครั้งเมื่อพวกเขามาที่บ้านของคนแปลกหน้าชาวรัสเซียตามปกติจะโค้งคำนับให้กับภาพแรกที่ดึงดูดสายตา อย่างไรก็ตามในศตวรรษที่สิบแปด การวาดภาพเริ่มได้รับคุณลักษณะแบบยุโรปทีละน้อย: ศิลปินเชี่ยวชาญในมุมมองเชิงเส้นที่ช่วยให้พวกเขาสามารถถ่ายทอดความลึกของอวกาศได้ พยายามที่จะพรรณนาปริมาตรของวัตถุอย่างถูกต้องโดยใช้ไคอาโรสคูโร ศึกษากายวิภาคศาสตร์เพื่อสร้างร่างกายมนุษย์ขึ้นมาใหม่อย่างแม่นยำ เทคนิคการวาดภาพสีน้ำมันแพร่กระจายแนวใหม่เกิดขึ้น

สถานที่พิเศษในภาพวาดรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ถ่ายภาพบุคคล ผลงานแรกสุดของประเภทนี้ใกล้เคียงกับ parsuna ในศตวรรษที่ 17 ตัวละครเคร่งขรึมและนิ่ง

Ivan Nikitich Nikitin (1680 - ประมาณ 1742) เป็นหนึ่งในจิตรกรภาพเหมือนชาวรัสเซียคนแรก ในภาพแรกของเขา - พี่สาวของ Peter I Natalya Alekseevna (1715-1716) และ Anna Petrovna ลูกสาวของเขา (จนถึงปี 1716) - ระดับเสียงและท่าทางที่เป็นธรรมชาติของนางแบบนั้นถ่ายทอดด้วยทักษะที่หายากในเวลานั้น อย่างไรก็ตาม การทำให้เข้าใจง่ายบางอย่างเห็นได้ชัดในงานเหล่านี้: ร่างถูกดึงออกมาจากความมืดของพื้นที่ที่ไม่สิ้นสุดด้วยลำแสงที่สว่างไสวและอยู่นอกการสัมผัสกับสิ่งแวดล้อม ศิลปินยังคงอธิบายโครงสร้างของร่างและพื้นผิวของวัสดุอย่างงุ่มง่าม - กำมะหยี่, ขนสัตว์, เครื่องประดับ

เมื่อกลับมาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กหลังจากเดินทางไปอิตาลีสี่ปี Nikitin ได้สร้างผลงานที่ดีที่สุดซึ่งแสดงให้เห็นถึงทักษะที่เพิ่มขึ้นของศิลปิน นี่คือภาพเหมือนของนายกรัฐมนตรี G. I. Golovkin และภาพที่รู้จักกันในชื่อ "Outdoor Hetman" (ทั้งคู่ - 20 ปี)

ในช่วงยุค Petrine อาจารย์ต่างชาติจำนวนมากได้ตั้งรกรากในรัสเซียโดยทำงานในรูปแบบและแนวเพลงที่แตกต่างกัน Johann Gottfried Tannauer (1680-1737) ผู้มาจากประเทศเยอรมนี วาดภาพเหมือนของสมาชิกราชวงศ์และ

เพื่อนสนิทของ Peter I เช่นเดียวกับภาพวาดการต่อสู้ ภาพวาดที่มีชื่อเสียงของเขา "Peter I in the Battle of Poltava" (10s) เป็นภาพเหมือนของผู้บัญชาการที่มีฉากหลังเป็นการต่อสู้ซึ่งพบเห็นได้ทั่วไปในยุโรป

หลุยส์ การาวาเก (ค.ศ. 1684-1754) ปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสที่ได้รับเชิญไปยังรัสเซีย ในไม่ช้าก็มีชื่อเสียงและตำแหน่งจิตรกรในราชสำนัก เขาทำงานในรัสเซียเป็นเวลาหลายปีและวาดภาพเหมือนของกษัตริย์รัสเซียทุกพระองค์ตั้งแต่ปีเตอร์ถึงเอลิซาเบธ พู่กันของเขาเป็นภาพพิธีการที่มีชื่อเสียงของ Anna Ioannovna ในชุดพิธีราชาภิเษก (1730) ซึ่งทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับงานประเภทอื่น ๆ ภาพบุคคลไม่เพียงบ่งบอกถึงรูปลักษณ์ของจักรพรรดินี - ผู้หญิงที่มีรูปร่างทรงพลังซึ่งปรากฎในท่าทางที่เคร่งขรึมและน่าเกรงขาม แต่ยังรวมถึงธรรมชาติของเธอที่เชื่อโชคลางและน่าสงสัยด้วย จิตรกรชาวรัสเซียหลายคนในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ออกมาจากการประชุมเชิงปฏิบัติการของคาราวัคคา

ในช่วงปลายยุค 20 - 30 ศตวรรษที่ 18 หมายถึงผลงานสั้น ๆ แต่สดใสของจิตรกร Andrei Matveevich Matveev (1701 - 1739) หลังจากใช้เวลากว่าสิบปีในฮอลแลนด์และแฟลนเดอร์ส เขาก็กลายเป็นปรมาจารย์ชาวรัสเซียคนแรกที่รู้วิธี "วาดเรื่องราวและบุคคล" นั่นคือ ไม่ใช่แค่ภาพบุคคลเท่านั้น แต่ยังวาดภาพในหัวข้อตำนานและประวัติศาสตร์ด้วย

อย่างไรก็ตาม Matveev เป็นที่รู้จักกันเป็นอย่างดีในฐานะจิตรกรภาพเหมือน ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ "ภาพเหมือนของคู่สมรส" (ประมาณปี 1729) ข้อพิพาทของนักประวัติศาสตร์ศิลป์เกี่ยวกับผู้ที่ปรากฎบนนั้นยังไม่ยุติลง เป็นไปได้มากว่านี่คือภาพเหมือนตนเองของศิลปินกับภรรยา นั่นคือภาพเหมือนตนเองภาพแรกในประวัติศาสตร์การวาดภาพของรัสเซีย

ตั้งแต่ปี 1727 จนกระทั่งเขาเสียชีวิต Matveev ได้นำ "ทีมที่งดงาม" ของ Chancellery ออกจากอาคารต่างๆ ก่อนการเปิด Academy of Arts ศิลปินเกือบทั้งหมดได้ศึกษาและรับใช้ในนั้น

ในช่วงทศวรรษที่ 40-50 ศตวรรษที่ 18 หมายถึงงานของ Ivan Yakovlevich Vishnyakov (1699-1761) ภาพเหมือนที่งดงามที่สุดของ Vishnyakov แสดงให้เห็น Sarah Eleonora Fermor ลูกสาวของหัวหน้าสำนักนายกรัฐมนตรีจากอาคาร (1749) เด็กสาวในชุดผ้าซาตินสีเทาเงินหรูหราปักลายดอกไม้กำลังเตรียมจะด่า เธอถือพัดในมืออย่างสง่างาม มือบนผืนผ้าใบของ Vishnyakov มักจะวาดด้วยความสง่างามเป็นพิเศษ: นิ้วสัมผัสเพียงวัตถุเบา ๆ ราวกับว่ากำลังลื่นไถลไปบนพื้นผิว “Portrait of Sarah Fermor” ดึงความสนใจไปที่ทั้งภาพวาดลูกไม้เนื้อดีและพื้นหลังภูมิทัศน์ที่ตกแต่ง ซึ่งลวดลายเหล่านี้สะท้อนถึงงานปักบนชุด

Alexei Petrovich Antropov (1716-1795) ไม่เคยเอาชนะความเรียบของภาพที่เป็นสัญลักษณ์ได้: ในภาพบุคคลของเขาผู้ชมไม่รู้สึกถึงพื้นที่รอบ ๆ ตัวแบบ ดังนั้นใน "Portrait of a State Lady A. M. Izmailova" (1759) หญิงชราและหยาบคายสีสดใสของพื้นหน้าและพื้นหลัง "คนหูหนวก" ที่มืดสนิทจึงแตกต่างกัน ในภาพเหมือนของ Peter III (17b2) ซึ่งวาดโดยศิลปินในรูปแบบของผู้บัญชาการที่มีกระบองของจอมพลอยู่ในมือ ความแตกต่างระหว่างหุ่นเชิดที่สง่างามของพระมหากษัตริย์กับฉากที่โอ่อ่าพร้อมคุณลักษณะของอำนาจจักรวรรดิ - เสื้อคลุม ลูกโลก และมงกุฎ - โดดเด่นเป็นฉากหลังของการต่อสู้

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 แนวใหม่ปรากฏในภาพวาดของปรมาจารย์ชาวรัสเซีย - ภูมิทัศน์, ในประเทศและประวัติศาสตร์ซึ่ง Academy of Arts ถือเป็นประเภทหลัก อย่างไรก็ตาม งานที่สำคัญที่สุดยังคงสร้างในประเภทแนวตั้ง

แม้ว่าจะจำเป็นต้องรับรู้ความจริงที่ว่าการเปลี่ยนแปลงใหม่ปรากฏขึ้นตั้งแต่ช่วงต้นศตวรรษที่ 17 แต่ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 ศิลปะใหม่ได้รับการพัฒนาอย่างรวดเร็วและได้รับชัยชนะอย่างเด็ดขาด ดังนั้นศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 18 จึงแตกต่างอย่างมากจากศิลปะรัสเซียเก่ายุคกลางแม้ว่าจะมีความเกี่ยวข้องภายในก็ตาม คุณลักษณะเฉพาะของศิลปะในศตวรรษที่ 18 คือการสร้างงานศิลปะทางโลกโดยสิ่งที่เรียกว่า

หากงานนี้ไม่เหมาะกับคุณ มีรายการงานที่คล้ายกันที่ด้านล่างของหน้า คุณยังสามารถใช้ปุ่มค้นหา

ศิลปะรัสเซียศตวรรษที่สิบแปด

ศตวรรษที่ 18 เป็นช่วงเวลาสำคัญในประวัติศาสตร์รัสเซียนี่คือช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลง การปรับโครงสร้างเศรษฐกิจ การเมือง การทหาร ประชาชนอุปกรณ์ของรัสเซียรวมถึงการเปลี่ยนแปลงใน การศึกษาวิทยาศาสตร์และศิลปะ การเปลี่ยนแปลงใหม่เริ่มต้นโดยการปฏิรูปของเปโตรฉัน.

ปีเตอร์ที่ 1 พลิกประเทศสู่เส้นทางแห่งอารยธรรมยุโรปนี่คือช่วงเวลาของกระบวนการที่แข็งขันของการทำให้เป็นยุโรปของชีวิตชาวรัสเซีย. การเปลี่ยนจากมาตุภูมิโบราณเป็นรัสเซียใหม่ตั้งแต่ยุคกลางจนถึงสมัยใหม่นั้นล่าช้าในรัสเซียเป็นเวลาเกือบสามร้อยปีและเกิดขึ้นพร้อมกับรูปแบบใหม่ของชีวิตที่ก่อตัวขึ้นแล้วในตะวันตก เป็นเวลาประมาณ 50 ปีที่รัสเซียในทุกด้านต้องผ่านเส้นทางแห่งการพัฒนาที่กินเวลายาวนานถึงศตวรรษที่ 23 ในฝั่งตะวันตกการพัฒนาได้รับตัวละครที่มีพลัง รุนแรง และกระฉับกระเฉงดังนั้น และ ลักษณะเฉพาะของการพัฒนาศิลปะแบบ "บีบอัด" ของรัสเซียการบดอัดนี้ก่อให้เกิดศิลปะของรัสเซียต่อการดำรงอยู่คู่ขนานของแนวโน้มโวหารหลายอย่างในคราวเดียว ความไม่สอดคล้องกันของปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมบางอย่างกับเงื่อนไขที่เป็นกลาง การขาดความสอดคล้องในการเปลี่ยนแปลงและการประสานสอดคล้องกันในด้านต่างๆ ของศิลปะไม่มีการไหลลื่นจากเวทีหนึ่งไปยังอีกเวทีหนึ่ง แต่เรากำลังพูดถึงจุดเปลี่ยนและจุดหักเหแม้ว่าจะต้องยอมรับก็ตามความจริงที่ว่ามีการเปลี่ยนแปลงใหม่ปรากฏขึ้น XVII ศตวรรษ แต่ในช่วงเริ่มต้น XVIII ศตวรรษ ศิลปะใหม่กำลังพัฒนาอย่างรวดเร็วและได้รับชัยชนะอย่างเด็ดขาดปีเตอร์ I เป็นหัวรถจักรที่ผลักดันการก่อตัวของยุคใหม่การเข้าสู่บัลลังก์ของผู้ที่ถูกกำหนดให้เป็นจักรพรรดิรัสเซียองค์แรกหมายถึงการสิ้นสุดของยุคกลางด้วยการครอบงำของ "ความนับถือศาสนา" ลัทธิของความเป็นรัฐและอำนาจรัฐการก่อตัวของศิลปะทางโลก

ศิลปะทางโลกของรัสเซียถือกำเนิดขึ้นภายใต้เสียงคำรามของดอกไม้ไฟของปีเตอร์ปีเตอร์ในฐานะบุคคลหนึ่งมีอิทธิพลต่อการก่อตัวของศิลปะใหม่ นวัตกรรมของยุค Petrine สะท้อนให้เห็นในการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงของชีวิต การรุกรานของแฟชั่นใหม่ ปีเตอร์ส่งคนไปเรียนเมืองนอก ปีเตอร์เองสนใจในหลายๆ เรื่อง แสดงความเป็นมืออาชีพในหลายๆ เรื่อง

ความปรารถนาที่จะรู้โลก, การพัฒนาวิทยาศาสตร์, การขยายตัวของการพิมพ์หนังสือ, การสร้าง Academy of Sciences เมื่อสิ้นสุดรัชกาลของปีเตอร์ - ทั้งหมดนี้มีส่วนทำให้วัฒนธรรมใหม่ทางโลกแข็งแกร่งขึ้น สิ่งที่น่าสมเพชของความรู้เช่นเดียวกับสิ่งที่น่าสมเพชของความเป็นรัฐแผ่ซ่านไปทั่วศิลปะ

ศิลปะรัสเซียกำลังเข้าสู่เส้นทางแห่งการพัฒนาของยุโรปทั้งหมด ปฏิเสธความโดดเดี่ยวในยุคกลาง แต่ไม่เคยทำลายประเพณีของชาติที่มีมานานหลายศตวรรษ

ความคุ้นเคยของชาวรัสเซียกับศิลปะยุโรปเกิดขึ้นได้หลายวิธี: ศิลปินตะวันตกได้รับเชิญให้ทำงานในรัสเซีย งานศิลปะของยุโรปถูกซื้อในต่างประเทศ และอาจารย์ที่มีความสามารถมากที่สุดไปศึกษาในต่างประเทศในฐานะผู้รับบำนาญ นั่นคือเงินของรัฐ นักการทูตคนแรกของพี่น้องศิลปิน Nikitin, M. Zakharov และ F. Cherkasov ไปอิตาลีในปี 1716 Andrey Matveev ไปฮอลแลนด์

ส่วนที่เหลือและพวกเขาเป็นคนส่วนใหญ่อยู่บ้านและศึกษาตามประเพณีของคลังแสงที่โรงพิมพ์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่ Kunstkamera หรือในหน่วยงานของรัฐอื่น ๆ

ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2249 สำนักงานกิจการเมืองได้รับการจัดระเบียบโดยเปลี่ยนชื่อในปี พ.ศ. 2266 เป็นสำนักงานอาคารซึ่งรับผิดชอบงานก่อสร้างทั้งหมดในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและรวมสถาปนิกและจิตรกรของรัฐบาลทั้งหมดไว้ในบริการสาธารณะ ปีเตอร์วางแผนสำหรับการสร้าง Russian Academy of Arts วิเคราะห์โครงการที่เสนอให้เขา แต่สถาบันศิลปะอิสระภายใต้ปีเตอร์ไม่ได้จัดตั้งขึ้น ในปี ค.ศ. 1724 จักรพรรดิได้ออกพระราชกฤษฎีกาจัดตั้ง "Academy หรือสมาคมศิลปะและวิทยาศาสตร์" และตั้งแต่ปี ค.ศ. 1726 ที่ Academy of Sciences จึงมีแผนกศิลปะที่ให้ความสนใจหลักไปที่การวาดภาพและ งานแกะสลัก งานจริงของธรรมชาติเร่งด่วนที่สุด . ในปี ค.ศ. 1748 แผนกศิลปะได้ขยายไปยังชั้นเรียนสถาปัตยกรรม ประติมากรรม จิตรกรรม และมุมมอง

ดังนั้น, ศิลปะรัสเซีย XVIII ศตวรรษ ในหลาย ๆ ด้านแตกต่างอย่างมากจากศิลปะรัสเซียโบราณในยุคกลางแม้ว่าจะมีความเกี่ยวข้องภายในก็ตาม ลักษณะเฉพาะของงานศิลปะศตวรรษที่สิบแปดคือ การทำให้เป็นฆราวาสของศิลปะคือลักษณะทางโลกของศิลปะรัฐ ลักษณะสาธารณะ;ความเป็นยุโรป , ยืมรูปแบบของศิลปะยุโรป; บทบาทที่เพิ่มขึ้นการคิดอย่างมีเหตุผลและความรู้ความเข้าใจ การพัฒนาอย่างแข็งขันของแนวโน้มที่เป็นจริง

การประเมินศิลปะรัสเซีย XVIII หลายศตวรรษในประวัติศาสตร์ศิลปะของรัสเซียและโซเวียตนั้นไม่เหมือนกัน แล้วในยุค 40 XIX ศตวรรษ N. Puppeteer บ่นว่าเราเราหลงลืมอดีตและมองว่าศิลปะร่วมสมัยเป็น "เอเลี่ยน". Slavophiles ในช่วงกลางและครึ่งหลัง XIX ใน. ดุศิลปะของศตวรรษก่อนสำหรับแยกจากรากรัสเซียโบราณ. วี.วี. Stasov ซึ่งแสดงจุดยืนทั่วไปของการวิจารณ์ประชาธิปไตยเห็นในตัวเขาเพียงการแสดงออกถึงวัฒนธรรมอันสูงส่งอุดมคติอันสูงส่งตำหนิเขาการคัดลอกและการเลียนแบบ, ด้านหลัง "ความซ้ำซากจำเจของแฟชั่นฝรั่งเศส". Viollet le Duc เขียนโดยทั่วไปว่าถึง XVIII ศตวรรษ ศิลปะรัสเซียโค้งคำนับไปทางทิศตะวันออกและจากศตวรรษที่ 18 ทางตะวันตก . และในช่วงสามเท่านั้น XIX ศตวรรษ ความสนใจต่อศิลปะในช่วงเวลานี้ทวีความรุนแรงขึ้น เราเป็นหนี้บุญคุณที่นี่เป็นพิเศษต่อ "โลกแห่งศิลปะ" การศึกษานี้เริ่มจาก “ นิทรรศการประวัติศาสตร์ภาพบุคคลผู้มีชื่อเสียง XVI XVIII ศตวรรษ" และผลงานของคอมไพเลอร์ของแค็ตตาล็อก P.N. Petrov จากนิทรรศการที่จัดโดย World of Art ในปี 1902 (นิทรรศการจิตรกรรมภาพเหมือนของรัสเซียเป็นเวลา 150 ปีตั้งแต่ปี 1700 ถึง 1850) และ 1905 (ที่เรียกว่า Tauride เพราะมันเกิดขึ้นในพระราชวัง Tauride) จากนิทรรศการภาพวาดบุคคลของรัสเซียในปารีสและเบอร์ลินในปี 2449 จากนิทรรศการ "Lomonosov and the Elizabethan Time" ในปี 2455 จากการตีพิมพ์นิตยสาร " ปีเก่า" ส่วนใหญ่อุทิศให้กับงานศิลปะ XVIII ศตวรรษ (2450-2459). อย่างไรก็ตามคู่รัก XVIII ศตวรรษ "โลกแห่งศิลปะ" ก็เห็นศิลปินในยุคนี้เช่นกันเป็นเพียงผู้ลอกเลียนแบบศิลปะยุโรปตะวันตกที่มีทักษะ

การศึกษา XVIII ศตวรรษต่อมาใน XX ศตวรรษ. ประวัติศาสตร์ศิลปะโซเวียตในการทำความเข้าใจและประเมินปัญหา XVIII หลายศตวรรษ ช่วงเวลาต่างๆ ได้ผ่านไปแล้ว และมีลักษณะการวิจัยที่แตกต่างกัน ตั้งแต่การระบุแหล่งที่มาของพิพิธภัณฑ์ไปจนถึงทฤษฎีทั่วไป

“ ปีเตอร์ในฐานะรัฐบุรุษในประวัติศาสตร์” เอ็น. คอสโตมารอฟเขียน“ บุคลิกลักษณะทางศีลธรรมอันสูงส่งที่ดึงดูดใจเขาโดยไม่ได้ตั้งใจนั้นถูกรักษาไว้สำหรับเราในบุคลิกภาพของเขา คุณลักษณะนี้เป็นการอุทิศให้กับแนวคิดที่เขาอุทิศทั้งจิตวิญญาณตลอดชีวิตของเขา เขารักรัสเซีย เขารักคนรัสเซีย เขารักพวกเขาไม่ใช่ในแง่ของมวลคนรัสเซียสมัยใหม่ที่อยู่ภายใต้เขา แต่ในแง่ของอุดมคติที่เขาต้องการนำคนเหล่านี้มา และความรักนี้เองที่ประกอบกันเป็นคุณลักษณะอันสูงส่งในตัวเขาซึ่งชักนำเราให้รักบุคลิกภาพของเขา ละทิ้งทั้งการสังหารหมู่นองเลือดและการกดขี่ที่ทำให้ขวัญเสีย ซึ่งสะท้อนให้เห็นโดยอิทธิพลที่มุ่งร้ายต่อลูกหลาน สำหรับความรักของปีเตอร์ที่มีต่ออุดมคติของชาวรัสเซียคนรัสเซียจะรักปีเตอร์จนกว่าตัวเขาเองจะสูญเสียอุดมคติของผู้คนสำหรับตัวเขาเองและเพื่อความรักครั้งนี้เขาจะให้อภัยทุกสิ่งที่เป็นภาระหนักในความทรงจำของเขา” (N . Kostomarov ประวัติศาสตร์รัสเซียในชีวประวัติของเธอ ตัวเลขสำคัญ เล่มที่ 3 หน้า 243)

มีการใช้ศิลปะรัสเซียเป็นระยะ ๆ ดังต่อไปนี้ศตวรรษที่ 18:

• ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18:

1700-1725 (ครึ่งแรก XVIII ศตวรรษ) ยุค Petrine;

1730-1740 เวลาของ Anna Ivanovna;

• กลางเดือนสิบแปด ศตวรรษ (1740-1760) เวลาของ Elizabeth Petrovna
• ครึ่งหลังของ XVIII เวลาศตวรรษของแคทเธอรีนครั้งที่สอง

ศิลปะรัสเซียในครึ่งแรกศตวรรษที่สิบแปด

ในช่วงไตรมาสแรกศตวรรษที่สิบแปด ในสิ่งที่เรียกว่าเวลาสัตว์เลี้ยง, ทุกคน ความขัดแย้งและความขัดแย้งในยุคใหม่ปรากฏในรูปแบบที่เปลือยเปล่าและแหลมคมเป็นพิเศษณ เวลานี้ก็มี ศิลปะใหม่ "บริสุทธิ์", และ เก่ากับองค์ประกอบของใหม่และในที่สุดก็การพัฒนาในรูปแบบเก่า. อย่างที่สุด อุปกรณ์โวหารใหม่ก็หลากหลายเช่นกัน:แปลก ส่วนผสมขององค์ประกอบของบาโรก, โรโคโค, คลาสสิก. ลิงค์กลาง (เชื่อมต่อ) ในระบบสไตล์ของจุดเริ่มต้น XVIII ศตวรรษเป็นยุคบาโรกยุคแรกซึ่งเรียกว่า "Petrine baroque"

พิสดารของปีเตอร์รูปแบบสถาปัตยกรรมซึ่งได้รับอิทธิพลจากบาโรกของอิตาลี ยุคคลาสสิกของฝรั่งเศสและโรโคโค สถาปัตยกรรมโยธาของดัตช์ ตลอดจนรูปแบบและแนวโน้มอื่นๆ สถาปนิกแต่ละคนที่ทำงานในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กได้แนะนำประเพณีของประเทศของเขา ของโรงเรียนสถาปัตยกรรมที่เขาเป็นตัวแทน ในรูปลักษณ์ของอาคารที่กำลังก่อสร้าง ดังนั้น Petrine พิสดารจึงไม่ใช่พิสดารในรูปแบบที่บริสุทธิ์ที่สุดและคำนี้ค่อนข้างไม่มีกฎเกณฑ์ ในขณะเดียวกันก็สะท้อนให้เห็นถึงแนวโน้มที่ซ่อนเร้นโดยนัยของยุค Petrine และช่วยอธิบายวิวัฒนาการเพิ่มเติมของสถาปัตยกรรมรัสเซียไปสู่บาโรกที่เจริญเต็มที่ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18

จุดเริ่มต้นของสถาปัตยกรรมรัสเซีย XVIII ศตวรรษ ("Peter's Baroque") โดดเด่นด้วยความเรียบง่ายของโครงสร้างเชิงปริมาตรความชัดเจนของข้อต่อและความยับยั้งชั่งใจของการตกแต่งและประติมากรรมการตกแต่งการตีความแบบแบนของส่วนหน้า(ส่วนหน้าถูกแบ่งด้วยเสาหรือใบมีดที่ไม่ให้เงาตัดกัน) โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเปรียบเทียบกับสถาปัตยกรรมในตอนท้ายศตวรรษที่ 17 และกลางศตวรรษที่ 18 ซึ่งแตกต่างจาก Naryshkin พิสดารซึ่งเป็นที่นิยมในมอสโกในเวลานั้น Peter the Great พิสดารเป็นตัวแทนของการแตกหักกับประเพณีไบแซนไทน์

ความเป็นไปได้ทางสถาปัตยกรรมทั้งหมดมุ่งเน้นไปที่การก่อสร้างเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งก่อตั้งขึ้นเพื่อเป็นท่าเรือและป้อมปราการในปี 1703 และในปี 1712 ได้กลายเป็นเมืองหลวงของรัฐ

การสร้างเมืองในหนองน้ำภายใต้เงื่อนไขของสงครามทางเหนือที่ยากลำบากเป็นแนวคิดที่กล้าหาญและแทบไม่สมจริง (“เมืองที่มีการไตร่ตรองล่วงหน้ามากที่สุดในโลก” F.M. Dostoevsky กล่าวในภายหลัง) กองกำลังทั้งหมดของรัฐถูกโยนลงไปในการก่อสร้างเมืองใหม่โดยไม่พูดเกินจริง (Peter I ห้ามในเวลานั้นไม่ให้สร้างอาคารหินที่ใดก็ได้ ยกเว้นเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) . นี่ไม่ได้หมายความว่าไม่มีงานก่อสร้างในมอสโกวเลย แต่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กกำลังกลายเป็นศูนย์กลางที่แท้จริงซึ่งเชื่อมโยงที่สำคัญของรัสเซียกับตะวันตก ในสถาปัตยกรรมของมอสโกวและจังหวัดต่างๆ ของรัสเซีย ประเพณีเก่าแก่อยู่ในรูปแบบที่บริสุทธิ์มาช้านาน

ปีเตอร์ผู้ชนะต้องการที่จะไม่เลวร้ายไปกว่าพระมหากษัตริย์ในยุโรปโดยไม่ยอมอ่อนข้อให้กับพวกเขาดังนั้นสถาปนิกระดับปรมาจารย์ในประเทศและชาวต่างชาติจำนวนมากจึงได้รับเชิญให้สร้างเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและปริมณฑล: ชาวอิตาลี, ฝรั่งเศส, เยอรมัน, ดัตช์

การอุทธรณ์ต่อสถาปัตยกรรมยุโรปทำให้ดินรัสเซียกลายเป็นเมืองในอุดมคติที่แตกต่าง - กลุ่มสถาปัตยกรรมแบบครบวงจรที่มีการวางแผนอย่างสม่ำเสมอและมีเหตุผลซึ่งแตกต่างจากยุคกลาง นี่ไม่ใช่ผลลัพธ์สุดท้ายของประวัติศาสตร์ การพัฒนาที่เกิดขึ้นเองเป็นส่วนใหญ่อีกต่อไป แต่เป็นรูปแบบหนึ่งของงานขนาดมหึมาที่สร้างขึ้นบนพื้นฐานของโครงการ.

ปีเตอร์เชิญสถาปนิกราชวงศ์ฝรั่งเศสฌอง-บัปติสต์ เลอบล็อง(16791719) ที่กำลังพัฒนาโครงการวางแผนปีเตอร์สเบิร์ก(1716). แต่ความคิดที่เป็นนามธรรมรวมถึงความซับซ้อนของการบรรเทาทุกข์ในท้องถิ่นไม่อนุญาตให้โครงการนี้เป็นจริงแม้ว่าจิตวิญญาณทั่วไปของความสม่ำเสมอของโครงการ Leblon นั้นได้รับการเก็บรักษาไว้ในสถาปัตยกรรมของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ตัวฉันเอง แผนของเมืองที่มีความสม่ำเสมอและสมมาตรโดยมีการจัดถนนขนานกันในแนวตั้งฉากการสร้างตามเส้นสีแดงนั้นเป็นเรื่องใหม่เมื่อเปรียบเทียบกับเมืองรัสเซียโบราณ

การวางผังเมืองละทิ้งโครงร่างวงแหวนรัศมีในยุคกลาง หันไปใช้เครือข่ายถนนรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า ถนนสายหลักมาบรรจบกันที่จุดหนึ่ง กลายเป็น "ตรีศูล" และเค้าโครงอื่นๆ ที่คล้ายคลึงกัน

เมืองนี้เกิดขึ้นครั้งแรกในฐานะป้อมปราการและท่าเรือดังนั้นหนึ่งในอาคารแรกคือป้อมปราการของปีเตอร์-พาเวล(วางเมื่อวันที่ 16 พฤษภาคม (27), 1703 บนเกาะ Hare) และทหารเรือ(อู่ต่อเรือ) ล้อมรอบด้วยป้อมปราการ.

ในตอนแรกใจกลางเมืองตั้งอยู่ที่ฝั่งปีเตอร์สเบิร์ก (เกาะเปโตรกราดสกี้) ซึ่งอยู่ใต้ที่กำบังของป้อมปราการโดยตรง แต่ในไม่ช้าก็ถูกย้ายไปที่เกาะวาซิลีเยฟสกี ด้าน Admiralteyskaya ยังเป็นศูนย์กลางของเมืองที่ถนน Nevsky และ Voznesensky และถนน Gorokhovaya ซึ่งเกิดขึ้นในเวลาต่อมาได้แยกออกจากหอคอย Admiralteyskaya ด้วยยอดแหลมที่มีคานสามอัน

ในบรรดาสถาปนิกต่างชาติ จุดเริ่มต้นที่มีบทบาทมากที่สุดในการพัฒนาสถาปัตยกรรมคือ XVIII ศตวรรษเป็นของโดเมนิโก้ เตรซินี่(ค.ศ. 16701734) ซึ่งในเวลานั้นได้กลายเป็นหัวหน้าสถาปนิกของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

มหาวิหารปีเตอร์และพอลแห่งป้อมปีเตอร์และพอล(17121733 หลังจากไฟไหม้ในปี 1756 ได้รับการบูรณะในรูปแบบเดิม) ซึ่งครองเมืองหลวงใหม่อาคารที่มีชื่อเสียงที่สุดแห่งหนึ่งของ Domenico Trezzini. โบสถ์แห่งนี้เป็นโบสถ์แบบบาซิลิกาสามทางเดิน สร้างเสร็จในส่วนตะวันตกด้วยหอระฆังสูงที่มียอดแหลมและกังหันเป็นรูปเทวดาบิน Peter and Paul Cathedral อาคารที่สูงที่สุดในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก(ยกเว้นหอคอยของศูนย์โทรทัศน์). ความสูงของมันคือ 122.5 เมตร ความสูงของยอดแหลมคือ 40 เมตร ความสูงของรูปปั้นเทวดาคือ 3.2 เมตร ปีกกว้าง 3.8 เมตร

หอระฆังไม่ได้เป็นรูปแปดเหลี่ยมบนลานกว้างอีกต่อไปแล้ว ซึ่งเป็นที่คุ้นเคยในสายตาชาวรัสเซีย แต่เป็นแบบแถวเดียว ในหลายชั้น ชวนให้นึกถึงหอระฆังในยุโรปหรือหอคอยศาลากลาง อาสนวิหารแห่งนี้เคยเป็นสุสานของจักรพรรดิรัสเซีย โดยเริ่มจากปีเตอร์ฉัน.

ตัวละครฆราวาสลักษณะทั่วไปของอาสนวิหารปีเตอร์แอนด์ปอลความเรียบง่ายของการแก้ปัญหาโดยเป็นรูปเป็นร่าง, สถานที่ อาคารใน "บริบท" ของทั้งมวลในเมืองทั้งหมดนี้กำหนดบทบาทพื้นฐานของงานของ Trezzini ในอนุสรณ์สถานอื่น ๆ อีกหลายแห่งในสมัยของปีเตอร์มหาราช

โดเมนิโก้ เตรซซินี่ดำเนินการด้วย ประตูปีเตอร์ของป้อมปีเตอร์และพอล(17071708 ลงไม้ก่อน และ 17171718 แปลเป็นหิน) เพื่อเป็นเกียรติแก่ชัยชนะของรัสเซียในสงครามเหนือ นี่คือประตูหลักของป้อมปราการจากส่วนตะวันออก เป็นตัวอย่างเดียวที่ยังหลงเหลืออยู่ของโครงสร้างแห่งชัยชนะในยุคเริ่มต้น XVIII ศตวรรษ. มีรูปแบบของซุ้มประตูช่วงเดียว สวมมงกุฎด้วยห้องใต้หลังคาขนาดใหญ่ที่มีหน้าจั่วโค้งเป็นรูปครึ่งวงกลม ตกแต่งด้วยเงินตราและภาพนูนต่ำนูนสูง ในการตกแต่งประตูประติมากร Konrad Osner the Elder ได้รับเชิญซึ่งสร้างภาพนูนต่ำ "การโค่นล้มของ Simon the Magus โดย Apostle Peter" ในรูปแบบเชิงเปรียบเทียบเพื่อยกย่องชัยชนะของรัสเซียเหนือสวีเดน (ต่อมาย้ายไปที่ประตูหิน) . ซอกประตูประดับด้วยรูปปั้นเทพีแห่งสงครามเบลโลนาและภูมิปัญญาของมิเนอร์วา ซึ่งเป็นผู้ประพันธ์โดยเอ็น. พีโน

อาคารขนาดใหญ่ D. Trezzini เป็น อาคารของวิทยาลัยสิบสอง(กระทรวง) (พ.ศ. 2265 เสร็จสิ้น พ.ศ. 2285 โดยมีส่วนร่วมของมิคาอิล เซมต์ซอฟ) สำหรับสถาบันสูงสุดของรัฐ อาคารยาวสามชั้นแบ่งออกเป็น 12 ส่วนเท่า ๆ กัน (ห้องขัง) "วิทยาลัย" (แต่ละห้องมีหลังคาอิสระ) เชื่อมต่อกันด้วยทางเดินเดียวและแกลเลอรี่บนชั้นหนึ่ง (มีเพียงแห่งเดียวที่รอดชีวิตมาได้จนถึงทุกวันนี้) เสาที่เชื่อมชั้นบนทั้งสองเข้าด้วยกันทำให้อาคารทั้งหลังมีลักษณะเหนียวแน่น

ภายใต้เปโตร มันเริ่มต้นขึ้นอย่างสมบูรณ์ใหม่ในวัตถุประสงค์และอาคารสถาปัตยกรรมของพิพิธภัณฑ์รัสเซียแห่งแรกคุนสคาเมร่า ซึ่งสร้างขึ้นแทนที่กันอย่างต่อเนื่องGeorg Johann Mattarnovi, Nikolai Fedorovich Gerbel, Gaetano Chiaveri และ Mikhail Grigorievich Zemtsov(17181734). หอคอยที่สร้างเสร็จมีไว้สำหรับการสังเกตการณ์ทางดาราศาสตร์ ห้องโถงสูงสองชั้นขนาดใหญ่พร้อมนักร้องประสานเสียงบนชั้นสองและสามสำหรับคอลเล็กชันประวัติศาสตร์ธรรมชาติและห้องสมุด

จากอาคารยุคแรก ๆ ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กรอดชีวิตมาได้พระราชวังฤดูร้อนของปีเตอร์ฉันในสวนฤดูร้อน (17101714, โดเมนิโก เตรซซินี, อันเดรียส ชลูเทอร์ฯลฯ) เป็นอาคารรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าเรียบง่าย 2 ชั้น หลังคาสูง บ้านตั้งอยู่บนชายฝั่งที่จุดบรรจบของ Neva และ Fontanka มีสระว่ายน้ำ "Havanese" ขนาดเล็กซึ่งสื่อสารกับ Fontanka และทำให้สามารถเข้าไปในอพาร์ทเมนท์ได้โดยตรงจากน้ำ พระราชวังฤดูร้อนตกแต่งด้านหน้าด้วยภาพนูนต่ำนูนสูงระหว่างหน้าต่างของชั้นหนึ่งและชั้นสอง ดำเนินการโดย A. Schluter และทีมงานของเขาในธีม Metamorphoses ของ Ovid สวนฤดูร้อน (“สวน” ตามชื่อเรียกในสมัยพระเจ้าปีเตอร์มหาราช) พร้อมด้วยประติมากรรม น้ำพุ และถ้ำ เป็นตัวอย่างของสวนสาธารณะทั่วไปแห่งแรกในรัสเซีย ในปี 1725 M. Zemtsov ได้สร้าง "Hall for Glorious Celebrations" ในสวน (ไม่ได้รับการอนุรักษ์)

ค.ศ. พระราชวัง เมนชิโควา บนเกาะ Vasilyevsky บนฝั่งของ Neva (1710-1720s สถาปนิกจิโอวานนี่ มาเรีย ฟอนทานาและกอตต์ฟรีด เชอเดล ได้รับการบูรณะในปี 6080ศตวรรษที่ XX) แสดงถึงที่อยู่อาศัยรูปแบบใหม่ของคฤหาสน์. พระราชวังประกอบด้วยวังหินหลังใหม่ วังไม้เก่า โบสถ์และสวนขนาดใหญ่หลังอาคารใหม่ จากความซับซ้อนทั้งหมดมีเพียงการสร้างวังหินเท่านั้นที่ลงมาหาเราแม้ว่าจะอยู่ในรูปแบบที่ดัดแปลงก็ตาม

นอกจากที่ดินในเมืองแล้ว การก่อสร้างที่อยู่อาศัยในชนบทก็เริ่มขึ้นในช่วงเวลานี้ด้วย, ส่วนใหญ่ตามอ่าวฟินแลนด์: Ekateringof, Strelna, Oranienbaum ในช่วงเวลานี้ถูกวางปีเตอร์ฮอฟ - ที่อยู่อาศัยของกษัตริย์ การก่อตัวของ Peterhof ในรูปแบบของแวร์ซายยังคงดำเนินต่อไปภายใต้อธิปไตยที่ตามมา

ใน Oranienbaum พระราชวังและสวนสาธารณะทั้งมวลคือพระราชวัง Great Menshikov ซึ่งสร้างขึ้นตามโครงการของสถาปนิก D.M. Fontana และ I. G. Shedel ในปี 1710 - 1727 ความยาวของส่วนหน้าหลักของพระราชวัง Great Menshikov คือ 210 เมตร ส่วนกลางของพระราชวังมี 2 ชั้น อยู่ติดกันด้วยห้องแสดงภาพชั้นเดียว จัดวางเป็นส่วนโค้งและลงท้ายด้วยศาลาแบบญี่ปุ่นและโบสถ์ อาคารภายนอกสองหลังติดกับศาลาแบบญี่ปุ่นและโบสถ์ในแนวตั้งฉากกับหอศิลป์ ดังนั้นในแผนผังของวังจึงมีตัวอักษร "P" ปีกเป็นขอบเขตลานพระบรมมหาราชวัง วังแบ่งสวน Oranienbaum ออกเป็นสองส่วนที่ไม่เท่ากัน - สวนล่างซึ่งมีรูปแบบปกติและสวน Upper Park ที่มีภูมิทัศน์ ผู้ร่วมสมัยสังเกตเห็นความหรูหราอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนของตำหนักชานเมืองของเจ้าชายผู้เงียบสงบซึ่งในเวลานั้นเหนือกว่าปีเตอร์ฮอฟในขอบเขตของมัน

ให้ความสนใจเป็นอย่างมากการก่อสร้างบ้านส่วนตัว. สำนักงานของอาคารซึ่งนำโดย Trezzini ตามโครงการของเขาและ Leblon วางแผนที่จะสร้างอาคารอิฐโคลนที่เรียกว่าโดยใช้โครงไม้ที่มีการถมดินเหนียวและเศษหินหรืออิฐ: อาคารสองชั้นตามกฎแล้ว สร้างด้วยศิลาแล้ว บ้านมีความแตกต่าง (โดยหลักมาจากคุณสมบัติคุณสมบัติ) แต่ภายใต้กรอบนี้ พวกเขาเป็นประเภทอาคารบังคับ ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมชื่อปกติของพวกเขาคือ "แบบอย่าง" (เช่นทั่วไป). การสร้างเมืองพร้อมบ้านส่วนตัวได้ดำเนินการตามแบบยุโรปตะวันตก: อาคารถูกวางบนทางเท้าอาคารหลักไม่ได้อยู่ในลาน แต่อยู่บนถนนพร้อมทั้งรั้วและประตูสร้างถนนและคันดินเป็นเส้นเดียว.

ด้วยการถือกำเนิดของโรงงานอิฐตั้งแต่ปี ค.ศ. 1710 อาคารอิฐเริ่มสร้างขึ้นซึ่งฉาบปูนเสริมด้วยชิ้นส่วนพลาสติกจากยิปซั่มและทาสี ชั้นสองและสามรวมเข้าด้วยกันตามคำสั่งหลังคาสูง

นี่คือลักษณะของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่ค่อย ๆ เป็นรูปเป็นร่าง: บนหนองน้ำและเกาะต่าง ๆ มากมายทดสอบโดยลมทะเลบอลติกและน้ำท่วมซึ่งอยู่ห่างจากศูนย์กลางรัสเซียเก่า แต่ดูเหมือนว่าจะเติบโตอย่างต่อเนื่องซึ่งขัดกับตรรกะทั้งหมด

อาคารที่สำคัญที่สุดของสถาปัตยกรรมมอสโกในครึ่งแรก XVIII ศตวรรษที่สะท้อนให้เห็นถึงแนวโน้มใหม่คือการสร้าง Arsenal ในมอสโกวเครมลิน, โบสถ์ของ Archangel Gabriel (หอคอย Menshikov) ในมอสโก, บ้านส่วนตัวของ M.P. Gagarin บนถนน Tverskaya ในมอสโก(พ.ศ. 2250-2251 ไม่เก็บรักษาไว้)

อาคารอาร์เซนอลในมอสโกเครมลินถูกสร้างขึ้นในปี 1702-36 (สถาปนิก Christopher Konrad, D. Ivanov, Mikhail Choglokov) ระหว่างหอคอย Trinity และ Nikolskaya และมีจุดประสงค์เพื่อเก็บอาวุธและอุปกรณ์ทางทหารต่างๆ อาคารถูกไฟไหม้หลายครั้งและได้รับรูปแบบสุดท้ายในปี 1737 เมื่อสถาปนิก D. V. Ukhtomsky ต่อเติมชั้นสอง

โบสถ์อัครทูตสวรรค์กาเบรียลหรือที่เรียกว่าหอคอย Menshikov ในมอสโก (2244-2250 สถาปนิกอีวาน เปโตรวิช ซารูดนี่) หนึ่งในอาคารที่ดีที่สุดในสถาปัตยกรรม XVIII ในศตวรรษที่มีองค์ประกอบฉัตรแบบโบราณ XVII ศตวรรษรวมกับองค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมของบาโรก ("มอสโกบาโรก")

หอคอย Menshikov - โบสถ์ของเทวทูตกาเบรียลซึ่งเป็นหอคอยแห่งเดียวในมอสโกว สร้างขึ้นตามคำสั่งของ Alexander Danilovich Menshikov ในปี 1705-1707 ชื่อหัวหน้าสถาปนิกของโบสถ์มีหลายเวอร์ชัน สถาปนิกชาวมอสโกที่รู้จักกันดี I. Zarudny ซึ่งทำงานภายใต้คำสั่งของชาวอิตาลี: Trezzini, F. Fontana, G. Pando, B. Skala ได้รับการยอมรับอย่างเป็นทางการเช่นนี้ แต่บางครั้ง Trezzini เองผู้สร้างมหาวิหารแห่งป้อมปีเตอร์และพอลในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กก็ถูกเรียกว่าผู้แต่ง

โบสถ์ไม้ของเทวทูตกาเบรียลใน Myasniki ได้รับการบันทึกไว้ในบันทึกตั้งแต่ปี 1551 Menshikov ในเมือง Polotsk ได้รับภาพลักษณ์ของพระมารดาของพระเจ้าแห่ง Polotsk ซึ่งเขียนโดยผู้เผยแพร่ศาสนาลุคและกลับไปมอสโคว์เขาสั่งให้สร้างโบสถ์ใหม่บนที่ตั้งของโบสถ์ไม้

กาลครั้งหนึ่งนานมาแล้ว ไม้ชิ้นที่ 5 ประดับประดาด้วยนาฬิกาและสวมยอดแหลมสูงพร้อมรูปปั้นเทวทูต ตั้งตระหง่านเหนือพื้นหินทั้งสี่ของหอคอยที่มีอยู่ในปัจจุบัน โดยรวมแล้วหอคอยสูงกว่าหอระฆังของ Ivan the Great เกือบหนึ่งเมตรเต็ม ชั้นบนสุดของหอคอย Menshikov เป็นที่ตั้งของนาฬิกาที่โดดเด่นซึ่งส่งมาจากลอนดอน

อย่างไรก็ตาม ควรสังเกตว่างานในโบสถ์ไม่เคยเสร็จสมบูรณ์ - การสร้างสัญลักษณ์ยังไม่เสร็จสมบูรณ์ งานภายในยังไม่เสร็จสมบูรณ์ และตัวโบสถ์เองยังไม่ได้รับการอุทิศให้ นี่เป็นเพราะการแต่งตั้ง Menshikov เป็นผู้ว่าการเมืองหลวงใหม่ - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและการสูญเสียความสนใจในที่ดินมอสโกบน Myasnitskaya

ในวันที่ 13 มิถุนายน พ.ศ. 2266 ฟ้าผ่าลงมาที่ยอดแหลมของหอคอยและจุดไฟที่โดม ในหมู่ประชาชน ข้อเท็จจริงนี้ได้รับการอธิบายในทันทีว่าเป็นการลงโทษสำหรับความภาคภูมิใจของเจ้าชายที่มีชื่อเสียงที่สุดซึ่งวางตนเหนือราชวงศ์ ไฟที่น่ากลัวกินเวลาสองชั่วโมงและพวกเขาไม่สามารถดับได้เนื่องจากความสูงของหอคอยที่สูงมาก ยอดหอคอยถูกเผาจนหมดสิ้น และระฆัง 50 ใบร่วงลงมาที่พื้น บดขยี้ผู้คนจำนวนมากที่ช่วยกันเก็บข้าวของเครื่องใช้ในโบสถ์จากกองเพลิง

หลังจากไฟไหม้ โบสถ์เทวทูตกาเบรียลถูกทิ้งร้างเป็นเวลานานและยังสร้างไม่เสร็จ เฉพาะในปี พ.ศ. 2330 เท่านั้นที่ได้รับการบูรณะหลังจากเกิดไฟไหม้โดย Gavriil Zakharievich Izmailov ซึ่งเป็นช่างก่ออิฐชื่อดังของมอสโกซึ่งอาศัยอยู่ใกล้กับ Myasnitskaya จากนั้นโดมสกรูแปลก ๆ ก็ปรากฏขึ้น วิหารได้รับการดัดแปลงสำหรับการประชุมของอิฐและตกแต่งด้วยสัญลักษณ์ของอิฐ

ในช่วงทศวรรษที่ 1860 Metropolitan Filaret (Drozdov) ได้สั่งให้ทำลายภาพสัญลักษณ์และจารึก Masonic ทั้งหมดภายในวัด ชั้นบนไม่เคยได้รับการบูรณะ โบสถ์ยังคงอยู่ต่ำกว่าความสูงสูงสุดในประวัติศาสตร์

เนื่องจากโบสถ์อยู่ในฤดูร้อนและถูกทิ้งไว้โดยไม่มีระฆัง วิหาร Theodore Stratilat จึงถูกสร้างขึ้นในบริเวณใกล้เคียง ซึ่งมีอากาศอบอุ่นและมีหอระฆัง โดมที่มีรูปกางเขนบนหอคอยปรากฏขึ้นในปี พ.ศ. 2381 หลังจากการซ่อมแซม

ในปี 1923 ภายใต้การปกครองของสหภาพโซเวียต โบสถ์ถูกปิด ในช่วงทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 20 มีการสร้างขึ้นใหม่อย่างจริงจัง มีการสร้างองค์ประกอบบางอย่างในศตวรรษที่ 18 ขึ้นใหม่ และวัดถูกย้ายไปที่ Patriarchate of Antioch และโบสถ์ก็เปิดใช้งาน สัญลักษณ์นี้ถูกย้ายมาที่นี่จากโบสถ์ปีเตอร์แอนด์พอลในพรีโอบราเฮนสกายา สโลโบดา ซึ่งถูกทำลายในปี 2503

หลังจากการสิ้นพระชนม์ของปีเตอร์รอบบัลลังก์รัสเซีย ความสับสนอย่างแท้จริงของสิ่งที่เรียกว่า“ความไม่แน่นอนทั้งหมดของโลกไม่สามารถเทียบได้กับความไม่แน่นอนของศาลรัสเซีย” นักการทูตคนหนึ่งเขียนในปี 1730

ยุคมืดของทศวรรษที่ 1730 ในรัชสมัยของ Anna Ioannovna การกดขี่อำนาจรัฐและการครอบงำของชาวต่างชาติ.

หลังจากการตายของ Peter I รสนิยมก็เปลี่ยนไปและตอนนี้รัสเซียก็มีสิ่งที่ดีที่สุดสถาปนิกสร้างพระราชวังสำหรับจักรพรรดินีและบุคคลสำคัญในช่วงทศวรรษที่ 1720-1730 สถาปนิกที่มีความสามารถ M.G. Zemtsov, I.K. Korobov และนักวางผังเมืองรายใหญ่ P.M. อีรอปกิน.

มิคาอิล กริกอรีวิช เซมต์ซอฟ(ค.ศ. 1688-1743) สถาปนิกชาวรัสเซีย ตัวแทนของพิสดารยุคแรก มีส่วนร่วมในการสร้างสวนฤดูร้อนในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, พระราชวังใน Petrodvorets และ Yekaterinenthal (Kadriorg, ทาลลินน์สมัยใหม่)

อาคารทางศาสนาของ Zemtsov ที่ใหญ่ที่สุดคือโบสถ์ไซเมียนและอันนาบนถนน Mokhovaya(1731-1734).

อีวาน คุซมิช โคโรบอฟ(1700(01)-1747) สถาปนิกและวิศวกรชาวรัสเซีย ตัวแทนของยุคบาโรกยุคแรก สร้างขึ้นใหม่ในปี ค.ศ. 1727-38 อาคารทหารเรือในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Korobov เป็นเจ้าของโครงการหอคอยที่มียอดแหลมปิดทองสูงซึ่งมีใบพัดสภาพอากาศในรูปแบบของเรือสามเสากระโดง (1732) เมื่อมีการสร้างตึกกรมทหารเรือขึ้นใหม่ในตอนต้น XIX ในศตวรรษที่ Zakharov ยังคงรักษายอดแหลม Korobovsky รวมถึงองค์ประกอบใหม่

ปีเตอร์ มิคาอิโลวิช เอรอปกิน(ประมาณ ค.ศ. 1698-1740) สถาปนิกและนักทฤษฎีชาวรัสเซีย ภายใต้การนำของ Eropkin แผนทั่วไปของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กถูกวาดขึ้น (โดยมีองค์ประกอบ 3 ลำแสงของส่วนทหารเรือ 2280) บทความสถาปัตยกรรมและการก่อสร้างรัสเซียเรื่องแรก "ตำแหน่งของการสำรวจทางสถาปัตยกรรม" ถูกสร้างขึ้น (2280 -41). ดำเนินการในฐานะผู้มีส่วนร่วมในการสมรู้ร่วมคิดของ A.P. Volynsky กับ Biron

การเปลี่ยนแปลงอย่างเด็ดขาดจากเก่าไปใหม่การผสมกลมกลืนของ "ภาษา" ทางศิลปะของยุโรปและความคุ้นเคยกับประสบการณ์ของศิลปะโลกเป็นสิ่งที่เห็นได้ชัดเจนในการวาดภาพ. อย่างไรก็ตาม การคลายตัวของระบบศิลปะของการวาดภาพรัสเซียโบราณเกิดขึ้นดังที่เราได้เห็นแล้วศตวรรษที่สิบสอง

ด้วยจุดเริ่มต้นของ XVIII ใน. สถานที่หลักในการวาดภาพเริ่มถูกครอบครองโดยการวาดภาพสีน้ำมันในเรื่องทางโลกภายใต้อิทธิพลของศิลปะยุโรปตะวันตก ประเภทใหม่และหัวข้อใหม่ปรากฏขึ้นในเวลานี้.

ปรากฏการณ์สำคัญอย่างยิ่งในศิลปะรัสเซียเริ่มต้นขึ้นศตวรรษที่สิบแปด เป็นภาพบุคคลไม่เพียงแต่ได้รับการพัฒนาอย่างรวดเร็วในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเท่านั้น แต่ยังประสบความสำเร็จอย่างโดดเด่น ซึ่งขึ้นอยู่กับความสนใจที่เพิ่มขึ้นในลักษณะบุคลิกภาพของมนุษย์ในยุคนั้น

การเพิ่มขึ้นของการถ่ายภาพบุคคล XVIII ศตวรรษถูกเตรียมในด้านหนึ่งโดยการพัฒนาในระดับค่อนข้างสูงของ parsuna ในตอนท้าย XVII ในอีกศตวรรษหนึ่งอิทธิพลของจิตรกรรมยุโรปตะวันตกการดูดกลืนโดยศิลปินชาวรัสเซียเกี่ยวกับเทคนิคการวาดภาพใหม่ ๆ และการแก้ปัญหาโดยเป็นรูปเป็นร่างเกิดขึ้นผ่านการเดินทางของผู้รับบำนาญต่างประเทศรวมถึงภายใต้อิทธิพลของศิลปินต่างประเทศที่ได้รับเชิญจากปีเตอร์

ในบรรดาจิตรกรต่างชาติ ชาวเยอรมันครอบครองสถานที่ที่โดดเด่นที่สุดโยฮันน์ กอตต์ฟรีด ทันเนาเออร์(พ.ศ.2223-2280) และภาษาฝรั่งเศสหลุยส์ การาวาเก (ค.ศ. 1684-1754)

โยฮันน์ กอตต์ฟรีด ทันเนาเออร์มาถึงรัสเซียในปี 1711 และสอนช่างฝีมือเกี่ยวกับเทคนิคของบาโรกยุโรปตะวันตกตอนปลาย (ภาพเหมือนของปีเตอร์ฉัน , ภาพเหมือนของ Alexei Petrovich, ภาพเหมือนของ A.D. Menshikov, 1727) หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของเขาภาพของท่านเคานต์ ป. ตอลสตอย (1719).

หลุยส์ คาราบาว ชาวฝรั่งเศส , "ฟันกรามของศาลที่หนึ่ง" สร้างภาพเหมือนของราชวงศ์ทั้งหมดและแนะนำชาวรัสเซียให้รู้จักศิลปะโรโคโค:ภาพของ Peter I ลูกสาวของเขา ภาพเหมือนของ Tsesarevna Natalya Petrovna(1722), ภาพคู่ของเจ้าหญิง Anna และ Elizabeth Petrovna(พ.ศ. 2260) ภาพหลานของปีเตอร์ที่ 1 Petra และ Natalia ในวัยเด็กในรูปแบบของ Apollo และ Diana(พ.ศ. 2265) ต่อมา ภาพเหมือนของจักรพรรดินี Anna Ioannovna(พ.ศ. 2273) และ ภาพเหมือนของจักรพรรดินีเอลิซาเบธ เปตรอฟนา (1750).

เพื่อให้ความรู้แก่ผู้ปฏิบัติงานของตนเอง ปีเตอร์ฉัน แนะนำผู้รับบำนาญในปี ค.ศ. 1716 ศิลปินชาวรัสเซียกลุ่มแรกเดินทางไปต่างประเทศเพื่อศึกษาศิลปะฆราวาสแนวใหม่

หนึ่งในศิลปินรัสเซียคนแรกของการวาดภาพฆราวาสใหม่ในศิลปะรัสเซียศตวรรษที่สิบแปดถือเป็น อิวาน นิกิติช นิกิติน(กลางปี ​​1680 ไม่เร็วกว่าปี 1742) ชีวประวัติของเขาเป็นเรื่องน่าเศร้าอย่างมาก ลูกชายของนักบวชมอสโก หลานชายของผู้สารภาพปีเตอร์ เขาตั้งตัวเป็นศิลปินตั้งแต่เนิ่นๆ และวาดภาพเหมือนของราชวงศ์ก่อนที่จะเดินทางไปต่างประเทศ:ภาพเหมือน ปราสโกวิยา อิออนโนฟนาNIECE ของปีเตอร์ฉัน (2257 พิพิธภัณฑ์รัสเซีย); ภาพเหมือนของ TSESAREVNA ANNA PETROVNA(ไม่เกินปี 1716, State Tretyakov Gallery)ภาพเหมือนของ Natalya Alekseevnaน้องสาวที่รักของปีเตอร์ฉัน (1716, Tretyakov Gallery)

ในภาพเหมือนของ Praskovya Ioannovna ยังมีภาพวาดรัสเซียเก่า ๆ อยู่จำนวนมาก: ไม่มีความถูกต้องทางกายวิภาค, การสร้างแบบจำลองแสงและเงาของแบบฟอร์มนั้นดำเนินการโดยการลดแสงจากที่มืดเป็นแสง, ท่าทางเป็นแบบคงที่ ไม่มีสีสะท้อนแสง แสงจะสม่ำเสมอและกระจาย และแม้แต่เสื้อผ้าที่เปราะบางก็ชวนให้นึกถึงช่องว่างของรัสเซียโบราณ แต่ทั้งหมดนี้ ต่อหน้า Praskovya Ioannovna เราสามารถอ่านโลกภายในของเธอ ลักษณะเฉพาะ ความภาคภูมิใจในตนเอง ใบหน้าที่มีดวงตาที่กลมโตและแสดงออกซึ่งการมองอย่างเศร้าสร้อยนี้เป็นจุดศูนย์กลางขององค์ประกอบภาพ ไม่มีเงาของการโอ้อวด ไม่มีอะไรโอ้อวดในใบหน้านี้ แต่มีการหมกมุ่นอยู่กับตัวเอง ซึ่งแสดงออกมาในความรู้สึกสงบนิ่งเงียบ ดังที่กวีกล่าวไว้ว่า "งามต้องสง่า"

การศึกษาในอิตาลีกินเวลาตั้งแต่ปี 1716 ถึง 1719 ก่อนจากไปปีเตอร์ฉัน พบกับ Nikitin เป็นการส่วนตัวเขียนถึง Catherineฉัน เพื่อที่เธอจะได้สั่งให้ Nikitin ซึ่งจะเดินทางผ่านเบอร์ลินให้วาดภาพเหมือนของกษัตริย์ปรัสเซียน "... เพื่อให้พวกเขารู้ว่ามีเจ้านายที่ดีในหมู่คนของเรา" ศิลปินศึกษาในเวนิสและฟลอเรนซ์

ในตอนต้นของปี 1720 ปีเตอร์นึกถึง Nikitin ทำให้ศิลปินเป็น Hoffmaler ซึ่งเป็น "เจ้านายของกิจการส่วนตัว" และมอบบ้านให้เขาในใจกลางเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ห้าปีก่อนการเสียชีวิตของปีเตอร์กลายเป็นยุครุ่งเรืองของงานของนิกิติน

การเกษียณอายุช่วยให้ศิลปินปลดปล่อยตัวเองจากข้อ จำกัด คุณสมบัติบางอย่างของภาพวาดรัสเซียเก่า แต่ไม่เปลี่ยนมุมมองทางศิลปะทั่วไปของเขาความเข้าใจในงานศิลปะในขณะเดียวกันก็เพิ่มพูนความรู้ให้เขาด้วยความรู้รายละเอียดปลีกย่อยทั้งหมดของเทคโนโลยียุโรป

เขียนหลังจากกลับจากต่างประเทศ"ภาพเหมือนของ SERGEY GRIGORYEVICH STROGANOV"(1726, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) แสดงให้เห็นข้าราชบริพารที่สง่างามเต็มไปด้วยพลังซึ่งออกมาจากสภาพแวดล้อมของนักอุตสาหกรรม ภาพบุคคลใกล้เคียงกับภาพบุคคล "ยุคก่อนอิตาลี" ในแง่ของการจัดองค์ประกอบทั่วไป การวางตำแหน่งภาพในที่ว่าง และช่วงของสีสัน พื้นหลังมักจะมีตัวละครที่ค่อนข้างแบน "สัญลักษณ์" ซึ่งร่างนั้น "ยื่นออกมา" อุปกรณ์เสริมไม่ได้มีบทบาทสำคัญความสนใจทั้งหมดของอาจารย์มุ่งเน้นไปที่ใบหน้า

"ภาพเหมือนของนายกรัฐมนตรี GAVRIIL IVANOVICH GOLOVKIN"(1720s, Tretyakov Gallery) แสดงให้เห็นถึงนักการทูตที่ชาญฉลาดและมีความมุ่งมั่นซึ่งรู้รายละเอียดปลีกย่อยของนโยบายของรัฐซึ่งมีชีวิตภายในที่ตึงเครียด, ความจริงจังทางจิตวิญญาณ, สมาธิ, เกือบจะเศร้าโศก

"ภาพเหมือนของ HETMAN ภายนอก"(1720s, Russian Museum) มีจิตวิทยาภายในและความสามารถในการวาดภาพมากขึ้น

หลายครั้งที่ Nikitin เขียนถึงปีเตอร์ฉัน . เขาให้เครดิตกับคนที่มีชื่อเสียงภาพเหมือนของปีเตอร์ฉัน (ในวงกลม ต้นปี 1620, RM) จักรพรรดิรัสเซียได้รับการพรรณนาโดยปราศจากสิ่งกีดขวางอำนาจที่จิตรกรภาพเหมือนในราชสำนักของกษัตริย์ยุโรปยอมถูกทำร้าย เขาสร้างความประทับใจให้กับความสง่างามของรูปลักษณ์ของผู้มีอำนาจเผด็จการ ความรู้สึกของเจตจำนงที่ไม่ย่อท้อ และในขณะเดียวกันก็เรียบง่ายและมีมนุษยธรรม

เป็นที่ทราบกันดีจากรายการในวารสาร Chamber-Furier ว่าเขาเขียนถึงจักรพรรดิ "บนเกาะ Kotlin" ในปี 1721 ภาพพิธีการของปีเตอร์และแคทเธอรีนที่จับคู่กัน 2 ภาพ ซึ่งวาดโดยศิลปินในอิตาลีในปี 1717 ถูกค้นพบในฟลอเรนซ์ ปีเตอร์สวมชุดเกราะพร้อมเครื่องราชอิสริยาภรณ์ของนักบุญแอนดรูว์ผู้ได้รับการเรียกครั้งแรก แคทเธอรีน เสื้อคลุมสีแดงที่เรียงรายไปด้วยขนแกะช่วยเพิ่มความวิจิตรงดงามของภาพ ภาพดังกล่าวเป็นพยานถึงความคุ้นเคยที่ยอดเยี่ยมของ Nikitin กับโครงร่างภาพเหมือนแบบบาโรกที่เป็นตัวแทนของยุโรป

ความตื่นเต้นอย่างสุดซึ้งและความเศร้าโศกอย่างจริงใจจากการสูญเสียแทรกซึมภาพเหมือนของ Nikitin อีกภาพหนึ่ง"ปีเตอร์ I บนเดธบ็อกซ์"(2268 พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) ภาพวาดถูกวาดราวกับอยู่ในเซสชันเดียว ราวกับภาพร่างลาพรีมา บนพื้นสีแดง โปร่งแสงผ่านจังหวะอัจฉริยะของแสงของเหลว

การสิ้นพระชนม์ของจักรพรรดิเป็นจุดเริ่มต้นของช่วงโศกนาฏกรรมครั้งสุดท้ายในชีวิตของ Nikitin ในรัชสมัยของ Anna Ivanovna ศิลปินย้ายไปมอสโคว์เข้าร่วมฝ่ายค้านและในปี 1732 ร่วมกับพี่น้องของเขาถูกจับในข้อหาเก็บจดหมายใส่ร้ายรองประธานของ Holy Synod, Feofan Prokopovich หลังจากการทรมาน Ivan Nikitin ถูกขังเดี่ยวในป้อม Peter and Paul เป็นเวลาห้าปีจากนั้นก็เฆี่ยนด้วยแส้และในปี 1737 "ในต่อม" ถูกส่งไปยัง Tobolsk เพื่อทำงานหนักชั่วนิรันดร์ซึ่งเขาอยู่จนถึงปี 1742 การให้อภัยมาถึงเขาที่นี่ แต่เขาไปไม่ถึงมอสโกวน่าจะเสียชีวิตบนท้องถนน

โรมัน น้องชายของเขาซึ่งเคยเรียนกับเขาในอิตาลีและร่วมชะตากรรมอันน่าสลดใจเดียวกัน ยังคงทำงานในมอสโกวต่อไปหลังจากที่เขาถูกเนรเทศ ในฐานะจิตรกรภาพเหมือน โรมัน นิกิตินเป็นศิลปินที่คร่ำครึอย่างหาที่เปรียบมิได้ เราสามารถตัดสินเกี่ยวกับงานของเขาได้จากภาพเหมือนของ Maria Stroganova (ประมาณปี 1722 พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) เช่นเดียวกับภาพเหมือนของ Grigory Stroganov สามีของเธอก่อนหน้านี้ (1715, Odessa Art Gallery)

ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดอันดับสองที่เสริมศิลปะรัสเซียในครึ่งแรก XVIII ศตวรรษความสำเร็จของโรงเรียนจิตรกรรมยุโรปคือ ANDREY MATVEEVICH MATVEEV(17011739).

"ในปีที่สิบห้าของชีวิตของเขา" ตามที่เขาระบุไว้ในรายงานในรถไฟหลวงเขาไปที่ฮอลแลนด์ซึ่งเขาได้ศึกษากับจิตรกรภาพเหมือน A. Boonen และในปี 1724 เขาย้ายไปที่ Flanders ไปที่ Antwerp Royal Academy ยังคงเต็มไปด้วยความรุ่งเรืองของ Rubens และโรงเรียนจิตรกรรมเฟลมิช XVII ศตวรรษเพื่อทำความเข้าใจความลับของปรมาจารย์ผู้สร้างภาพวาดเชิงประวัติศาสตร์และเชิงเปรียบเทียบ ในปี 1727 เขากลับไปบ้านเกิดของเขา

จากช่วงผู้รับบำนาญมีงานที่ลงนามและลงวันที่ 1725 โดย A. Matveev เป็นที่รู้จัก"สัญลักษณ์แห่งการวาดภาพ". นี่เป็นภาพวาดขาตั้งภาพแรกบนโครงเรื่องเชิงเปรียบเทียบที่รอดชีวิตจากเราในรัสเซีย ขนาดเล็ก วาดบนกระดานไม้ปาร์เกต์ เป็นภาพภาพวาดเชิงเปรียบเทียบซึ่งนั่งอยู่บนขาตั้งที่ล้อมรอบด้วยกามเทพ Pallas Athena โพสท่าให้เธอซึ่งเธอให้คุณสมบัติของ Catherine บนผืนผ้าใบฉัน . การเปลี่ยนแปลงดังกล่าวไม่น่าแปลกใจหากเราจำได้ว่า Matveev ส่งงานนี้ไปยังจักรพรรดินีพร้อมกับขอขยายการศึกษาของเขาและสำหรับสิ่งนี้เขาจำเป็นต้องแสดงทักษะของเขา ผลงานนี้มีคุณลักษณะของโรงเรียนภาษาเฟลมิชในยุคบาโรกตอนปลาย และเผยให้เห็นถึงพรสวรรค์ด้านสีสันที่หลากหลายของศิลปิน

บางทีอาจรวมถึงปีผู้รับบำนาญของนักเรียนที่เขียนโดย Matveevภาพเหมือนของปีเตอร์ในวงรี(ค.ศ. 1725, GE).

เมื่อกลับถึงบ้านเกิดเมืองนอนที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Matveev มีส่วนร่วมในการออกแบบมหาวิหารหลักของเมือง Peter และ Paul ทันที ตั้งแต่ปี 1730 จนกระทั่งเขาเสียชีวิต Andrey Matveev ปรมาจารย์ชาวรัสเซียคนแรกซึ่งเป็นหัวหน้า "ทีมจิตรกรรม" ของสถานฑูตจากอาคารต่าง ๆ ดูแลงานอนุสาวรีย์และการตกแต่งทั้งหมดที่ดำเนินการในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและบริเวณโดยรอบ ร่วมกับทีมงานของเขา เขาตกแต่ง Senate Hall of the Twelve Collegia (ปัจจุบันคือ Petrovsky Hall of St. Petersburg University) ด้วยแผงที่งดงาม วาดภาพไอคอนสำหรับโบสถ์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กหลายแห่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับ Church of Simeon and Anna ซึ่งสร้างขึ้นบน มก. Zemtsov ทำงานอื่น ๆ อีกมากมาย แต่มีเพียงงานขาตั้งของ Matveev เท่านั้นที่มาหาเราเพราะภาพวาดขนาดใหญ่เกือบทั้งหมดเสียชีวิตพร้อมกับการตกแต่งภายในที่พวกเขาแสดง

ในปี 1728 Matveev ได้รับคำสั่งให้ภาพคู่ของคู่สมรส I.A. และเอ.พี. โกลิทซิน(มอสโก ส่วนหนึ่งของคอลเลกชั่น I.V. Golitsyn) ในจำนวนนี้สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือภาพเหมือนของ A.P. โกลิทซิน่าเจ้าหญิง สตรีของรัฐ และในขณะเดียวกัน "เจ้าชาย-อาบู" แห่ง "มหาวิหารที่สนุกสนานที่สุด" ของปีเตอร์ และ "ตัวตลก" แคทเธอรีนฉัน batogami เกี่ยวข้องกับกรณีของ Tsarevich Alexei

Matveev สร้างลักษณะที่แสดงออกอย่างผิดปกติ ทำให้นางแบบต้องเผชิญกับส่วนผสมที่ดีที่สุดของความน่ารังเกียจ ความเย่อหยิ่ง และในขณะเดียวกันก็มีความขุ่นเคือง ความสับสน ความเศร้า และความเหนื่อยล้า และนี่เป็นเรื่องที่น่าประหลาดใจยิ่งกว่าที่ศิลปินได้รักษาโครงร่างปกติของภาพเหมือนที่ได้รับมอบหมาย: หันไหล่, ศีรษะที่ปลูกอย่างภาคภูมิใจ, เครื่องประดับเสื้อผ้าที่จำเป็น ไม่ใช่การประณาม แต่เป็นความเห็นอกเห็นใจต่อนางแบบที่ถ่ายทอดโดยศิลปินในภาพนี้

"ภาพตัวเองกับภรรยา"(1729 (?), RM) ผลงานที่โด่งดังที่สุดของ A. MatveevMatveev เป็นศิลปินชาวรัสเซียคนแรกที่สร้างภาพลักษณ์ของสหภาพการสมรส ความจริงใจและความเรียบง่าย ความใจง่ายและความใจกว้าง การแต่งเนื้อร้องและความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณเป็นคุณสมบัติหลัก

ที่ด้านหลังของภาพมีคำจารึกที่น่าภาคภูมิใจ: "Matveev Andrey จิตรกรชาวรัสเซียคนแรกและภรรยาของเขา เขียนโดยศิลปินเอง

ภาพวาดของ Matveev ในงานนี้มีความสมบูรณ์แบบและเป็นพยานถึงพลังสร้างสรรค์ของเขาภาพวาดของ Matveev เป็นแบบโปร่งใส มีการไล่ระดับสีแบบ Chiaroscuro ที่คลุมเครือและเส้นขอบที่ละลายได้ เคลือบสีเข้มข้น และมีการลงสีที่ละเอียดอ่อนและสง่างาม

I. Nikitin และ A. Matveev ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้ก่อตั้งภาพวาดทางโลกของรัสเซียศตวรรษที่สิบแปด ภาพวาดของพวกเขาแสดงให้เห็นถึงความเชี่ยวชาญที่โดดเด่นของเทคนิคงานฝีมือของยุโรปตะวันตก ในขณะที่ยังคงรักษาจิตวิญญาณของชาติและความเป็นปัจเจกบุคคลในเชิงสร้างสรรค์ ไม่ว่าจะเป็นความเข้มงวด แม้กระทั่งการบำเพ็ญตบะ ภาพของ Nikitin หรือความละเอียดอ่อนและบทกวีของ Matveev Matveev เป็นอาจารย์ของจิตรกรเช่น Vishnyakov และ Antropov ซึ่งมรดกของเขาได้โยน "สะพาน" ชนิดหนึ่งไปสู่ผลงานของปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ

แตกต่างกันที่จุดเริ่มต้น XVIII ศตวรรษ มีภาพขนาดย่อซึ่งพวกเขาพบพัฒนาการของประเพณีการย่อขนาดต้นฉบับและหนังสือของ Ancient Rus และการวาดภาพบนเคลือบฟัน (เคลือบฟัน) ปรมาจารย์ที่โดดเด่นที่สุดคือ Andrey Grigoryevich Ovsov (ประมาณปี 1678-1740/50) และ Grigory Semyonovich Musikisky (1670/1-หลังปี 1739) บ่งบอกถึงยุคสมัย คือ “ภาพเหมือนของปีเตอร์ฉัน » จี.เอส. มุสกิยาโซโก (1723, จีอี).

กราฟิกเป็นรูปแบบศิลปะเคลื่อนที่ที่มีประสิทธิภาพมากที่สุด ตอบสนองต่อเหตุการณ์ในช่วงเวลานั้นอย่างรวดเร็ว ประสบความสำเร็จเป็นพิเศษในช่วงเวลาที่วุ่นวายของปีเตอร์มหาราชภาพพิมพ์ขนาดใหญ่จับภาพชัยชนะของอาวุธรัสเซียทั้งในทะเลและบนบก การเข้าสู่เมืองอย่างเคร่งขรึม มุมมองของเมืองที่เป็นผู้นำของเมือง ดอกไม้ไฟเพื่อเป็นเกียรติแก่ชัยชนะอันรุ่งโรจน์ ภาพบุคคลที่มีชื่อเสียง กราฟิกใช้เพื่อวัตถุประสงค์ทางการศึกษา (ปฏิทิน แผนที่) ช่างแกะสลัก Alexei Rostovtsev มีส่วนร่วมในการสร้างโลกรัสเซียใบแรก

ช่างแกะสลักระดับปรมาจารย์ชาวต่างชาติที่ได้รับเชิญจากปีเตอร์ก็ทำงานในรัสเซียเช่นกัน ย้อนกลับไปในปี 1698 ช่างแกะสลักฝีมือดี Schonebek (Schonebek, 1661-1705) มาถึง จากนั้น Peter Pikart ญาติของเขา (1668-1737) ก็ตามมา

ศิลปะการแกะสลักบนทองแดงแบบเคลื่อนย้ายได้มีประเพณีอันยาวนานของตนเองในมาตุภูมิและเจริญรุ่งเรืองโดยเฉพาะในตอนท้าย XVII ศตวรรษในการประชุมเชิงปฏิบัติการของคลังแสง จากที่นั่นต้นกำเนิดของงานช่างแกะสลักที่น่าทึ่งในยุคของปีเตอร์มหาราชในฐานะพี่น้องอเล็กซี่และอีวานซูบอฟ หลังจากเรียนรู้เทคนิคใหม่ๆ จาก Schonebeck พวกเขายังคงรักษาลักษณะประจำชาติของงานแกะสลักรัสเซียไว้ได้

ปรมาจารย์ด้านการแกะสลักและการแกะสลักขนาดใหญ่ในตอนเริ่มต้น XVIII ศตวรรษคือ ALEXEY FEDOROVITCH ZUBOV(1682/3 - หลัง 1749)

สารคดีเกี่ยวกับภูมิทัศน์ทางสถาปัตยกรรมที่ถูกต้อง สร้างขึ้นจากการผสมผสานระหว่างเทคนิคมุมมองเชิงเส้น ทำให้เกิดรูปลักษณ์ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมืองหลวงใหม่แห่งอำนาจทางทะเลขนาดยักษ์("ภาพพาโนรามาของปีเตอร์สเบิร์ก"(แปดแผ่นรวมกัน 2259)

นอกจากลวดลายทางสถาปัตยกรรมแล้ว Zubov ยังสร้างอีกด้วยแผ่นกราฟิกในประเภทการต่อสู้ภาพการรณรงค์ทางทหารและชัยชนะของกองเรือ Petrine(“พิธีการเข้าสู่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กของเรือรบสวีเดนที่ถูกยึด”, 1720).

ในเวทและการต่อสู้ของเขาการวาดเส้นพูดน้อยมีชัย สีของกระดาษขาวเองมีบทบาทสำคัญ, องค์ประกอบนั้นเรียบง่ายและมีเหตุผล, ทุกคน พื้นที่ส่วนใหญ่มักแบ่งออกเป็นสามแผน. ใน veduta ฉากประเภทเล่นอยู่เบื้องหน้า ระนาบที่สองถูกครอบครองโดยพื้นที่น้ำ และในระนาบที่สามมีภาพของสถาปัตยกรรม ซึ่งให้ชื่อแก่การแกะสลักทั้งหมด ชื่อนี้ยังคงรักษาประเพณีโบราณอย่างไร้เดียงสา XVII ศตวรรษที่วางอยู่ในริบบิ้นที่กางออกเหมือนม้วนกระดาษที่ด้านบน

ลวดลายที่จำเป็นเกือบทั้งหมดของ Zubov แกะสลักเรือ: ห่อหุ้มด้วยกลุ่มควันในการต่อสู้("การต่อสู้ของ Graingham"พ.ศ. 2264) หรือใบเรือกระเซ็นอย่างชาญฉลาดในสายลมใน veduta("เกาะ Vasilyevsky", 1714).

นอกจากการแสดงและการต่อสู้แล้ว ภาพของดอกไม้ไฟ "ความสนุกที่ร้อนแรง" (หรือ "แสงไฟตลกๆ") เพื่อเป็นเกียรติแก่เหตุการณ์สำคัญบางอย่างก็เป็นเรื่องปกติในช่วงเวลานี้เช่นกัน ในปี 1720-1722 เขาสร้างชุดดอกไม้ไฟอเล็กเซย์ อิวาโนวิช รอสตอฟเซฟเขาเป็นเจ้าของการแกะสลัก"การปิดล้อมของ Vyborg" (1715)

พี่ชายของ A. Zubovอีวาน ฟีโอโดโรวิช ซูบอฟทำการแกะสลักด้วยทิวทัศน์ของกรุงมอสโกเป็นหลัก

พัฒนาเรื่อยมาในสมัยพระเจ้าปีเตอร์มหาราชและพิมพ์นิยมนิยม ระนาบที่มีสีสันสดใสซึ่งเป็นภาพพื้นบ้านดั้งเดิมดั้งเดิมบนต้นไม้มีเนื้อหาที่หลากหลายที่สุด: เหน็บแนม, มหากาพย์นิยาย, ทุกวัน, รักษาการตกแต่งที่โดดเด่นของวิธีแก้ปัญหาทั่วไปและอารมณ์ขันพื้นบ้านอย่างแท้จริง

เช่นเดียวกับตัวอย่างงานศิลปะของยุคที่สาม XVIII ใน. ภาพวาดมืองานกราฟิกเฉพาะในยุคนั้นก็มีมาลงเช่นกัน เหล่านี้เป็นภาพวาดในชีวิตประจำวันและภูมิทัศน์ซึ่งเห็นได้ชัดโดยนักเรียนของโรงเรียนวาดภาพที่โรงพิมพ์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (ปากกา, พู่กัน, ถ่าน, ดินสอ State Russian Museum, รวบรวมโดย Argutinsky-Dolgorukov), ภาพวาดชุดเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กโดยสถาปนิก F. Vasiliev สำหรับ 17181722 (ค่าการกลั่น). ภาพวาดของปีเตอร์ยังทำงานในประเภทภาพบุคคลด้วย แต่ก็น่าสนใจน้อยกว่าประเภทภาพเพราะตามกฎแล้วรูปแบบภาพที่รู้จักบางส่วนใช้สำหรับภาพกราฟิก

ความสำเร็จทางศิลปะยังเป็นลักษณะเฉพาะในการพัฒนางานประติมากรรมในช่วงครึ่งแรกศตวรรษที่สิบแปด

“secularization” และการพัฒนาวิธีการใหม่ ๆ ในงานประติมากรรมนั้นช้ากว่ากว่าศิลปะแขนงอื่นๆ ดูนานเกินไปคนรัสเซียในรูปปั้นทรงกลมเช่นเดียวกับไอดอลนอกรีต, "หน้าอก". ในความเป็นจริงในช่วงแปดศตวรรษของการมีอยู่ของ Ancient Rus มันไม่ได้พัฒนา

แน่นอนในครึ่งแรกศตวรรษที่ 18 และ ก่อนหน้านี้มีงานศิลปะพลาสติกประดับอนุสาวรีย์และการตกแต่งที่ได้รับการพัฒนาอย่างดีในการตกแต่งภายในลัทธิและฆราวาสพิสดาร พลาสติกของ Church of the Sign ใน Dubrovitsy และ Menshikov Tower, การแกะสลักสัญลักษณ์ของโบสถ์ (Iconostasis ของมหาวิหารปีเตอร์และพอลผลงานของ Ivan Zarudny) ความโล่งใจของประตูเปตรอฟสกีป้อมปีเตอร์และพอลแสดงคอนราด ออสเนอร์ ผู้อาวุโสแผงตกแต่งสำนักงานไม้โอ๊กของปีเตอร์ในวังปีเตอร์ฮอฟโดย Nikola Pinoภาพนูนต่ำนูนสูงโดย Andreas Schlüter บนด้านหน้าของพระราชวังฤดูร้อนไม่ต้องสงสัยเลยว่าในสวนฤดูร้อน ขั้นตอนหนึ่งในการศึกษาวิธีการของศิลปะพลาสติกในยุโรปตะวันตก.

ในศิลปะรัสเซียโบราณนอกจากนี้ยังมีประติมากรรมไม้หลากสีPerm, Vologda, โรงเรียนมอสโกที่เหมาะสม แต่เธอเด่นกว่าเนื้อหาทางศาสนาและงานประติมากรรมฆราวาสจำเป็นต้องพัฒนาด้วยวิธีอื่น ดังนั้นอาจารย์ต่างชาติที่ได้รับเชิญให้สอนศิลปะประติมากรรมจึงมีบทบาทสำคัญในการพัฒนางานศิลปะ XVIII ศตวรรษ. ปรมาจารย์ชาวรัสเซียยังศึกษางานประติมากรรมในต่างประเทศ โดยส่วนใหญ่เรียนที่ Baratta ในเมืองเวนิส

การทำความคุ้นเคยกับประติมากรรมของยุโรปตะวันตกก็ดำเนินไปด้วยการซื้อผลงานบาโรกตอนปลายในต่างประเทศประติมากรรมโดยปรมาจารย์แห่งวง Bernini และบางครั้งก็เป็นของเก่า ดังนั้นในกรุงโรมจึงซื้อดาวศุกร์ที่มีชื่อเสียงซึ่งต่อมาได้รับชื่อ Taurideเกี่ยวกับความล่าช้าในการส่งออก Yuri Kologrivov ผู้ซึ่งซื้อรูปปั้นนี้ในราคา 196 efimki ได้เขียนจดหมายถึง Peter อย่างชัดเจนว่า "และฉันยอมตายดีกว่าเป็นเจ้าของรูปปั้นนั้น"

กำเนิดประติมากรรมฆราวาสและอนุสาวรีย์ในศิลปะรัสเซียครึ่งแรกศตวรรษที่สิบแปด เกี่ยวข้องกับการแพร่กระจายของบาโรกและกิจกรรมของประติมากรชาวอิตาลีบาร์โทโลมีโอ คาร์โล ราสเตรลลี่(Rastrelli the Father หรือ Rastrelli the Elder ตามที่นักประวัติศาสตร์ศิลปะเรียกเขาว่า 1675, Florence 1744, Petersburg)

บาร์โทโลเมโอ คาร์โล ราสเตรลลีชาวฟลอเรนซ์โดยกำเนิดซึ่งทำงานในกรุงโรมและปารีส เติบโตมาในประเพณีพิสดารของ Bernini เดินทางมายังรัสเซียพร้อมกับลูกชายในปี 1716 และพบบ้านหลังที่สองที่นี่ สัญญากับเขารวมถึงการดำเนินการตามคำสั่งที่หลากหลาย เขาทำงานเป็นทั้งสถาปนิกและประติมากรในประเภทต่าง ๆ ตั้งแต่ประติมากรรมทรงกลมไปจนถึงการสร้างน้ำพุและการสร้างฉากละคร

ค.ศ.หน้าอก เมนชิคอฟ(1716-1717, บรอนซ์, GE) งานชิ้นแรกบี.-เค. ราสเทรลลี่ ในประเทศรัสเซีย. มีการสร้างภาพลักษณ์ที่ดูน่าเกรงขาม ภายนอกดูงดงาม น่าเกรงขามของ "ผู้ปกครองกึ่งผู้มีอำนาจ" ซึ่งปีเตอร์เองก็เกือบจะพูดอย่างมีไหวพริบในบางครั้งว่า

แต่สิ่งสำคัญที่ Rastrelli ได้รับเชิญไปรัสเซียคือการสร้างอนุสาวรีย์ให้กับปีเตอร์ฉัน . ในปี ค.ศ. 1720 ประติมากรได้นำเสนอภาพร่างและแบบจำลองของอนุสาวรีย์ขี่ม้าซึ่งมีตัวเลขเชิงเปรียบเทียบมากมาย ซึ่งเป็นวิธีแก้ปัญหาที่เขาละทิ้งในภายหลัง

การสร้างรูปปั้นครึ่งตัวนำหน้าด้วยงานขนาดใหญ่จากธรรมชาติ ในปี 1919 ประติมากรได้สร้างหน้ากากจากปีเตอร์ที่มีชีวิต จากนั้นจึงสร้างหุ่นจำลองหุ่นขี้ผึ้ง

ในกระบวนการสร้างอนุสาวรีย์รูปปั้นทองสัมฤทธิ์ของปีเตอร์ฉัน (1723-1729, GE; การทำซ้ำในเหล็กหล่อ 1810, RM) รูปปั้นครึ่งตัวของจักรพรรดิเป็นงานแบบบาโรกทั่วไป: เป็นองค์ประกอบแบบไดนามิกที่มีลำตัวเป็นเกลียว มีความแตกต่างของแสงและเงาของมวลพลาสติก ความงดงามของภาพและเน้นความหลากหลายของพื้นผิว มันค่อนข้างจะเป็นภาพของทั้งยุคมากกว่าของปัจเจกบุคคล และลักษณะทั่วไปนี้ทำให้รูปปั้นครึ่งตัวมีคุณลักษณะที่ยิ่งใหญ่ ในขณะที่ยังคงรักษาความจริงทางประวัติศาสตร์ที่แท้จริงเอาไว้

Rastrelli ยังถูกสร้างขึ้นอย่างโดดเด่นในแง่ของความแข็งแกร่งของลักษณะเฉพาะบุคคลและการแสดงออกของพลาสติกรูปปั้นครึ่งตัวของนิรนาม(พ.ศ. 2275 หอศิลป์ Tretyakov)

ความรุ่งเรืองของประติมากรรมอนุสาวรีย์รัสเซียเริ่มต้นด้วยอนุสาวรีย์รัสเซียแห่งแรกที่ดำเนินการโดย B.-K. ราสเทรลลี่, – รูปปั้น ANNA IoANNOVNA กับ ARAPCHON(17321741, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) หนึ่งในอนุสรณ์สถานที่โดดเด่นที่สุดในแง่ของความสมบูรณ์ของภาพศิลปะและการแสดงออกทางพลาสติก

รูปปั้นของ Anna Ivanovna นั้นงดงามในสไตล์บาโรก แต่ในภาพลักษณ์ของหญิงชราอ้วนท้วมที่สง่างามพร้อมใบหน้าที่น่ารังเกียจ ลัทธิเผด็จการแบบเอเชีย และความหรูหราของราชสำนักยุโรปตะวันตกที่ซับซ้อนได้รวมเข้าเป็นหนึ่งเดียว(“เธอดูแย่มาก” N.B. Sheremeteva เขียนเกี่ยวกับ Anna Ioannovna “มีใบหน้าที่น่าขยะแขยง เธอดูดีมาก จนเมื่อเธอเดินระหว่างสุภาพบุรุษ เธอหัวสูงและอ้วนมาก”). นี่เป็นตัวอย่างที่หายากของภาพบุคคลด้านหน้าที่เปิดเผยอย่างแท้จริง ที่นี่คุณสามารถเห็นความเห็นอกเห็นใจของ Rastrelli ที่มีต่อ Peter และความเกลียดชังต่อผู้สืบทอดของเขา

รู้เบื้องต้นเกี่ยวกับองค์ประกอบของร่างของผู้หญิงผมสีดำซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของชีวิตในศาล XVIII ศตวรรษที่จำเป็นสำหรับประติมากรสำหรับความสมดุลพลาสติกของมวลชนรวมลวดลายพิธีการและประเภทเพิ่มความแตกต่างกับร่าง "เหมือนหิน" ของจักรพรรดินี Rastrelli แสดงให้เห็นที่นี่ไม่เพียง แต่คำสั่งที่ไร้ที่ติของภาษาของประติมากรรมอนุสาวรีย์ ความเชี่ยวชาญของลักษณะทั่วไปในขณะที่ยังคงรักษาลักษณะเฉพาะของแต่ละบุคคล แต่ยังเจาะลึกเข้าไปในโลกแห่งชีวิตชาวรัสเซียในความแตกต่างของรัสเซีย XVIII ศตวรรษสร้างสัญลักษณ์แห่งยุค

"การเติบโตของอัจฉริยะ" B.-K. Rastrelli สี่ปีสุดท้ายของชีวิตของเขา สำหรับ 17411744 ภายใต้รัชสมัยใหม่ของเอลิซาเบธ เปตรอฟนา ลูกสาวของปีเตอร์ ผู้ซึ่งถูกมองด้วยความหวังในฐานะผู้สืบทอดกิจการของปีเตอร์ เขาสร้างอนุสาวรีย์ขี่ม้าถวายจักรพรรดิ โดยพบว่าในช่วง 60 ปีที่ผ่านมา พลังแห่งการสร้างสรรค์สามารถเปลี่ยนแปลงการตัดสินใจแบบพิสดารครั้งแรกได้อย่างสิ้นเชิง ของทศวรรษที่ 1720

"อนุสาวรีย์ม้าปีเตอร์ I » B.-K. ราสเทรลลี่ สร้างภาพลักษณ์ของผู้บัญชาการ ชัยชนะในประเพณี จุดเริ่มต้นอยู่ที่อนุสรณ์สถานของ Marcus Aurelius, Gattamelata ของ Donatello และ Condottiere Colleoni ของ Verrocchio การจัดวางร่างอย่างอิสระ ความชัดเจนและความรุนแรงของภาพเงา การหลอมรวมอินทรีย์ของมวลและภาพเงากับที่ว่าง ความสมบูรณ์และความชัดเจนของทุกรูปแบบ เราเห็นในอนุสาวรีย์แทนที่จะเป็นความซับซ้อนของการเคลื่อนไหวแบบบาโรกและความโอ่อ่าของผ้าม่านอันเขียวชอุ่ม . ภาษาพลาสติกที่กล้าหาญ เรียบง่าย และชัดเจน ซึ่ง Rastrelli เชิดชูความแข็งแกร่งและอำนาจของอำนาจรัฐของรัสเซีย ยังคงเป็นประเพณียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโบราณต่อไปอย่างไม่ต้องสงสัย ในนั้นประติมากรสามารถสร้างภาพขนาดมหึมาโดยแสดงถึงชัยชนะและชัยชนะของรัสเซียภาพลักษณ์ของวีรบุรุษที่ประสบความสำเร็จในประวัติศาสตร์และระดับชาติ - การเปลี่ยนแปลงของรัสเซีย

ชะตากรรมของอนุสาวรีย์นั้นยิ่งกว่าละคร ในช่วงชีวิตของเขา Rastrelli ได้สร้างแบบจำลองขนาดเท่าของจริงเท่านั้น ลูกชายของเขาได้ทำการหล่อแล้ว (1748) หลังจากการตายของเอลิซาเบ ธ การล้างอนุสาวรีย์ก็หยุดลงและพวกเขาก็ลืมมันไปโดยสิ้นเชิง ภายใต้พอลเท่านั้นฉัน อนุสาวรีย์ถูกสร้างขึ้นที่ปราสาท Mikhailovsky (Engineering) ซึ่งตั้งอยู่จนถึงทุกวันนี้และกลายเป็นส่วนสำคัญของวงดนตรีโดยรวม

ลักษณะเฉพาะของ Rastrelli จะไม่สมบูรณ์หากไม่ได้กล่าวถึงว่าเขามีส่วนร่วมในงานตกแต่งในการออกแบบ Grand Cascade ใน Peterhof ได้ดีเพียงใด เช่นเดียวกับงานประเภทอื่นๆ ไปจนถึงภาพร่างสำหรับชุดแฟนซี เขาและ A.K. Nartov เป็นเจ้าของการออกแบบสถาปัตยกรรมและภาพนูนต่ำนูนสูงของ Triumphal Pillar เพื่อเป็นเกียรติแก่สงครามเหนือ น่าเสียดายที่งานยังไม่เสร็จ เรารู้จักรูปปั้นนูนต่ำ (GE และ GRM) เพียงจำนวนหนึ่งเท่านั้น

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 18 ในวัฒนธรรมรัสเซียมีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเป็นพิเศษสำหรับเส้นทางต่อไปของวิวัฒนาการทางประวัติศาสตร์จากรูปแบบทางศาสนาในยุคกลางของชีวิตทางจิตวิญญาณไปสู่วัฒนธรรมทางโลกและวิทยาศาสตร์ การก้าวกระโดดอย่างเด็ดขาดในชีวิตทางวัฒนธรรมของประเทศนั้นไม่ได้เกิดขึ้นอย่างกะทันหันและยิ่งกว่านั้นไม่ได้เป็นผลมาจากกิจกรรมความตั้งใจและความปรารถนาของแม้แต่บุคคลในประวัติศาสตร์ที่โดดเด่นอย่างแท้จริงเช่น Peter I

การเปลี่ยนแปลงเกิดจากกฎหมายภายในของการพัฒนาสังคมผู้สูงศักดิ์ของรัสเซียซึ่งเป็นเอกภาพทางเศรษฐกิจของประเทศ เพื่อที่จะประสบความสำเร็จในการแก้ปัญหาระหว่างประเทศที่สำคัญซึ่งเกิดจากประวัติศาสตร์ต่อรัฐรัสเซีย จำเป็นต้องยกระดับโครงสร้างของรัฐและกิจการทางทหารไปสู่ระดับที่ทันสมัย ​​เสริมสร้างความแข็งแกร่งให้กับโรงงานที่เกิดขึ้นใหม่ในประเทศ สร้างแรงผลักดันในการพัฒนาวิทยาศาสตร์และวัฒนธรรม ปลดปล่อยพวกเขาจากพันธนาการของผู้พิทักษ์ทางศาสนา

ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของการปฏิรูปของ Peter I ประกอบด้วยความจริงที่ว่าเพื่อผลประโยชน์ของรัฐผู้สูงศักดิ์เขาเร่งการดำเนินการตามการเปลี่ยนแปลงเร่งด่วนทางประวัติศาสตร์ด้วยความเพียรและความสม่ำเสมอของเหล็กด้วยความโหดร้ายที่ไร้ความปราณีซึ่งโดยวิธีการ แสดงให้เห็นเสมอเมื่อสาเหตุของความก้าวหน้าทางประวัติศาสตร์ถูกดำเนินการโดยชนชั้นที่แสวงหาผลประโยชน์ผ่านการเสริมสร้างอำนาจเด็ดขาดของพระมหากษัตริย์หรือรัฐมนตรีที่มีอำนาจทั้งหมดของเขา

การปฏิรูปของ Peter I ซึ่งเป็นผลมาจากการที่รัฐศักดินา - สมบูรณาญาสิทธิราชย์ของรัสเซียในที่สุดก็เป็นรูปเป็นร่างเสริมสร้างความเป็นทาสกฎของขุนนางและในขณะเดียวกันก็เพิ่มความสำคัญของพ่อค้าซึ่งเพิ่มทุนด้วยผลประโยชน์ที่ได้รับ การส่งเสริมการค้าและอุตสาหกรรม ในเวลาเดียวกันในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 18 อันเป็นผลมาจากความสำเร็จของนโยบายต่างประเทศของรัสเซีย ความสำคัญระหว่างประเทศได้เติบโตขึ้น เธอครอบครองหนึ่งในสถานที่สำคัญในชีวิตระหว่างประเทศ ขยายและเสริมสร้างความแข็งแกร่งไม่เพียง แต่ทางเศรษฐกิจ แต่ยังรวมถึงความสัมพันธ์ทางวัฒนธรรมระหว่างรัสเซียกับต่างประเทศมากมาย

การเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วและเด็ดขาดในวัฒนธรรมศิลปะรัสเซียไปสู่ศิลปะฆราวาสโดยอาศัยประสบการณ์ของการพัฒนาความสมจริงหลังยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของยุโรปได้เตรียมขึ้นโดยขั้นตอนก่อนหน้าทั้งหมดในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมรัสเซีย ศิลปะรัสเซียโบราณที่น่าทึ่งซึ่งมีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อวัฒนธรรมโลกในศตวรรษที่ 17 หมดความเป็นไปได้ งานด้านสุนทรียศาสตร์ที่กำหนดโดยขั้นตอนใหม่ของการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ของรัสเซีย ความสนใจของการพัฒนาเพิ่มเติมของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของประเทศรัสเซียไม่สามารถแก้ไขได้สำเร็จในรูปแบบดั้งเดิมของนักบวชของศิลปะเก่าที่ล้าสมัยและมา ขัดแย้งกับวิถีชีวิต

การดึงดูดความรู้โดยละเอียดของโลก, การแนะนำวิทยาศาสตร์ที่แน่นอน, วิธีการวิจัยที่มีเหตุผล, การโฆษณาชวนเชื่อของความแข็งแกร่งและการจัดระเบียบของรัฐฆราวาส, การเอาชนะความเฉื่อยในยุคกลาง - สิ่งเหล่านี้เป็นงานที่กำหนดไว้ก่อนวัฒนธรรมโดยหลักสูตรวัตถุประสงค์ของการพัฒนา สังคมรัสเซียในยุคนั้น ก่อน ค.ศ. 17 ในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซีย นี่คือช่วงเวลาแห่งการเติบโตอย่างช้าๆ และไม่เด็ดขาดของคุณลักษณะของความสมจริงประเภทใหม่ ช่วงเวลาของการบดขยี้และการสลายตัวของวิธีการและรูปแบบศิลปะยุคกลางแบบเก่าอย่างค่อยเป็นค่อยไป มันอยู่ในศตวรรษที่ 17 ความสนใจถูกปลุกให้ตื่นขึ้นในธรรมชาติ ด้วยแรงจูงใจของภูมิทัศน์จริงและมุมมองที่เหมือนจริง ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาแนวภาพเหมือนที่เรียกว่า parsuna ก็ถือกำเนิดขึ้นเช่นกัน อย่างไรก็ตาม การ "ทำให้เป็นฆราวาส" ของวัฒนธรรมและศิลปะเกิดขึ้นภายในกรอบที่กำหนดโดยรูปแบบวัฒนธรรมทางศาสนาที่โดดเด่น โดยธรรมชาติแล้ว ผลลัพธ์ที่ได้นั้นมีลักษณะครึ่งๆ กลางๆ และประนีประนอม

ความจำเป็นในการก้าวกระโดดครั้งสำคัญทางประวัติศาสตร์กำลังก่อตัวขึ้น ดำเนินการเมื่อต้นศตวรรษที่ 18 ด้วยการก้าวกระโดดนี้ วัฒนธรรมรัสเซียจึงเข้าร่วมกับความก้าวหน้าทางวัฒนธรรมและศิลปะของยุโรป ศิลปะของรัสเซียเกิดขึ้นโดยเหมาะสมกับศิลปะของประชาชนผู้ยิ่งใหญ่ ประเทศที่ยิ่งใหญ่ และเกิดขึ้นอีกครั้งหลังจากยุครุ่งเรืองของศตวรรษที่ 11-16 มีส่วนสำคัญและเป็นต้นฉบับต่อวัฒนธรรมศิลปะของมนุษยชาติ เมื่อกำหนดลักษณะศิลปะของรัสเซียในศตวรรษที่ 18 เราควรคำนึงถึงลักษณะข้ามชาติของรัฐรัสเซียซึ่งเกิดขึ้นแล้วในศตวรรษที่ 16 และ 17 และพัฒนาต่อไปในศตวรรษที่ 18 ในยูเครน ในเบลารุส ภาคผนวกในไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 18 ในทะเลบอลติค ศิลปะพัฒนาขึ้นโดยมีปฏิสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับวัฒนธรรมรัสเซีย และในเวลาเดียวกัน การก่อตัวของโรงเรียนสอนศิลปะระดับชาติยังคงดำเนินต่อไป

ศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ผ่านการพัฒนามาหลายขั้นตอน ประการแรกเกี่ยวข้องกับการปฏิรูปของ Peter I ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาการก่อตัวและการเสริมสร้างความเข้มแข็งของรัฐรวมศูนย์ที่แข็งแกร่งซึ่งเข้าสู่เวทีระหว่างประเทศได้เกิดขึ้น การรับใช้ชาติเพื่อผลประโยชน์ของชาติถือเป็นหน้าที่แรกของคนรัสเซีย จักรวรรดิรัสเซียเป็นระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ที่ปกป้องผลประโยชน์ของเจ้าของที่ดินและพ่อค้าบางส่วน แต่กระนั้นกิจกรรมของจักรวรรดิก็มีความก้าวหน้าโดยธรรมชาติ โดยดำเนินการตามสาเหตุของความก้าวหน้าทางประวัติศาสตร์ในรูปแบบเดียวที่เป็นไปได้ในเวลานั้น

ศิลปะแห่งไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 18 สะท้อนให้เห็นถึงสิ่งที่น่าสมเพชที่สร้างสรรค์ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของเวลานั้น แนวคิดใหม่เกี่ยวกับคุณค่าของมนุษย์การพิชิตอาวุธของรัสเซียการก่อสร้างที่ยิ่งใหญ่ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาได้ขยายขอบเขตทางจิตใจของคนรัสเซียอย่างผิดปกติ

หลังจากช่วงเวลาสั้น ๆ ของปฏิกิริยาโบยาร์ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ความก้าวหน้าครั้งใหม่ของศิลปะรัสเซียเริ่มต้นขึ้น ตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 วัฒนธรรมทางศิลปะของรัสเซียเป็นหนึ่งในสถานที่ชั้นนำในศิลปะยุโรป การมีส่วนร่วมของเธอในการพัฒนาสถาปัตยกรรมมีความสำคัญอย่างยิ่ง ขอบเขตของการวางผังเมืองและความสมบูรณ์แบบของการแก้ปัญหาทางศิลปะทำให้สถาปัตยกรรมรัสเซียกลายเป็นหนึ่งในปรากฏการณ์สำคัญของวัฒนธรรมโลก ความเฟื่องฟูของสถาปัตยกรรมรัสเซียทั้งในช่วงเวลาที่เกี่ยวข้องกับบาโรก (จนถึงปลายทศวรรษที่ 1760) และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงการก่อตัวของลัทธิคลาสสิกมีเหตุผลทางประวัติศาสตร์ ความจริงก็คือในศตวรรษที่ 18 ลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์อันสูงส่งของรัสเซียซึ่งตรงกันข้ามกับระบอบเก่าของยุโรปตะวันตกกำลังจะเสื่อมถอย ห่างไกลจากความสูญเสียทางประวัติศาสตร์

ความวุ่นวายของสงครามชาวนาที่นำโดย Emelyan Pugachev ซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่าปัญหาการรักษาหรือยกเลิกความเป็นทาสกลายเป็นปัญหาสังคมหลักแห่งยุค ความขัดแย้งที่เกิดขึ้นระหว่างระบอบเผด็จการศักดินาและกระแสรักอิสระที่เกิดขึ้นในการพัฒนา ความคิดทางสังคมของรัสเซีย (Fonvizin, Novikov, Radishchev) แม้ว่าพวกเขาจะเปิดเผยข้อจำกัดทั้งหมด แต่ตำแหน่งทางสังคมและวัฒนธรรมของสมบูรณาญาสิทธิราชย์ก็ยังไม่แข็งแกร่งพอที่จะทำลายการสร้างสถาบันกษัตริย์อันสูงส่ง ในรัสเซียไม่มีกองกำลังทางสังคมใดที่สามารถกวาดล้างระบบศักดินาและรัฐที่เกี่ยวข้องกับมันและแทนที่ด้วยความสัมพันธ์ทางสังคมที่ก้าวหน้ากว่า ไม่มีชนชั้นนายทุนที่เติบโตเต็มที่ทางการเมืองที่มีการจัดการอย่างดี มีความเข้มแข็งทางเศรษฐกิจ

การรู้แจ้งของรัสเซียซึ่งเกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1760 ในกรณีส่วนใหญ่เป็นเพียงการเคลื่อนไหวฝ่ายค้านที่ไม่รุกล้ำอำนาจทางชนชั้นของชนชั้นสูง ตัวแทนที่ดีที่สุดของมันก่อกบฏต่ออำนาจเผด็จการของจักรพรรดิแคทเธอรีนที่ 2 ต่อต้านการใช้อำนาจในทางที่ผิดของเจ้าของบ้านเหนือชาวนา แต่ส่วนใหญ่พวกเขาไม่ได้ตั้งคำถามถึงรากฐานของระบอบกษัตริย์อันสูงส่ง นั่นคือพวกเขาไม่ได้ขึ้นสู่ ความคิดของการเปลี่ยนแปลงการปฏิวัติของสังคม พวกเขาเชื่อว่าเส้นทางสู่การทำลายความชั่วร้ายทั้งหมดของระบบข้าแผ่นดินคือการตรัสรู้นั่นคือการศึกษาของขุนนางรัสเซียในหลักการแห่งความยุติธรรมที่เห็นอกเห็นใจและการขยายขอบเขตทางจิต มีเพียงไม่กี่คนในแวดวงนี้ในการแก้ปัญหาสังคมเร่งด่วนในยุคของเราเท่านั้นที่อยู่เหนือชั้นเรียนของพวกเขา บุคคลดังกล่าวเป็นตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของการตรัสรู้ของรัสเซียในศตวรรษที่ 18 A. N. Radishchev ผู้ซึ่งมีความคิดที่จะปฏิวัติการล้มล้างระเบียบทางสังคมที่มีอยู่ ดังนั้น แม้ว่ารัฐผู้สูงศักดิ์ของรัสเซียจะเปิดเผย โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 18 แต่หน้าที่ในการแสวงหาผลประโยชน์และการป้องกันนั้น ยังคงรักษาความสามารถไว้ได้ แม้จะไม่สอดคล้องและขัดแย้งกัน ในการแก้ปัญหางานระดับชาติหลายอย่างที่ประเทศเผชิญอยู่ เช่น การปกครอง รัฐ, การต่อสู้ในเวทีระหว่างประเทศเพื่อผลประโยชน์ของรัฐของรัสเซีย, การพัฒนาของกองกำลังการผลิต, การเพิ่มขึ้นของวัฒนธรรม, ฯลฯ

โดยธรรมชาติแล้วสิ่งนี้สร้างเงื่อนไขที่ดีเป็นพิเศษสำหรับความสำเร็จของสถาปัตยกรรมซึ่งการออกดอกเป็นไปได้ด้วยการสนับสนุนที่ทรงพลังของรัฐหรือกลุ่มพลเรือนขนาดใหญ่เท่านั้น ในเวลาเดียวกัน การก่อตัวของชั้นของจิตใจที่คิดอย่างก้าวหน้าและเป็นประชาธิปไตย ผลกระทบของพวกเขาที่มีต่อศิลปินชั้นนำเป็นตัวกำหนดความเป็นไปได้ของการอิ่มตัวของภาพสถาปัตยกรรมของโครงสร้างที่สร้างขึ้นด้วยเนื้อหาเชิงอุดมคติที่เห็นอกเห็นใจที่กว้างกว่าโครงการอย่างเป็นทางการในการทำให้รัฐอันสูงส่งคงอยู่ต่อไป คุณลักษณะนี้สะท้อนให้เห็นในผลงานของสถาปนิกที่ยอดเยี่ยมอย่าง Bazhenov ด้วยพลังพิเศษ

ในสาขาประติมากรรมและจิตรกรรม ความสำเร็จของวัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 18 มีความสำคัญมากเช่นกัน แม้ว่าในด้านวิจิตรศิลป์ แง่มุมที่น่าเกลียดของระบอบเผด็จการและคำขอโทษนั้นมีผลจำกัดที่เห็นได้ชัดต่อระดับงานทางอุดมการณ์และศิลปะมากกว่ากรณีของสถาปัตยกรรม ในขณะเดียวกัน แนวโน้มความก้าวหน้าทางมนุษยนิยมและพลเมืองที่เหมาะสมก็ปรากฏในทัศนศิลป์ชัดเจนยิ่งขึ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการวาดภาพและประติมากรรมของรัสเซียในยุคนั้น แนวคิดเกี่ยวกับศักดิ์ศรีทางศีลธรรมอันสูงส่งของมนุษย์ได้แสดงออกด้วยการโน้มน้าวทางศิลปะโดยเฉพาะ ในงานศิลปะของ Rokotov, Levitsky ในประติมากรรมของ Shubin ซึ่งเป็นภาพเหมือนจริงของยุโรปในศตวรรษที่ 18 พบร่างอวตารที่น่าทึ่งที่สุดของเขา ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ยังได้รับจากประติมากรรมขนาดใหญ่และการตกแต่งซึ่งเชื่อมโยงความสัมพันธุ์กับกลุ่มสถาปัตยกรรมที่ยิ่งใหญ่ในยุคนั้นอย่างแยกไม่ออก "นักขี่ม้าสีบรอนซ์" โดย Falcone ผลงานของ Kozlovsky ร่วมกับผลงานของ Houdon ก่อตัวเป็นจุดสุดยอดในยุครุ่งเรืองของประติมากรรมยุโรปในยุคนี้

โดยทั่วไปแล้ว ศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 18 เป็นก้าวสำคัญ ไม่เพียงแต่ในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมศิลปะรัสเซียเท่านั้น แต่ยังมีบทบาทอย่างมากในการสร้างอุดมคติทางสุนทรียศาสตร์ที่ก้าวหน้าของวัฒนธรรมยุโรปในศตวรรษที่ 18 โดยทั่วไป.